BLUE RED and DARK

2010-08-18T22:11:00.001+01:00

FACEBOOK

Reedições (2)

2007-01-23T00:55:00.001Z

"It’s So Hard To Tell Who’s Going To Love You The Best" by Karen Dalton.
(2006 / megaphone)

O ano de 2006 não contou apenas com a reedição de “In My Own Time” de Karen Dalton, também foi reeditado uma outra obra sublime, que data originalmente de 1969, da qual agora se escreve e que tem um título que a define tão bem: “It’s So Hard To Tell Who’s Going To Love You The Best”. Aqui deparamo-nos com Dalton assombrada pelos seus fantasmas a assombrar o ouvinte com os seus magníficos blues. Ouvimo-la de forma cúmplice, pois desta vez encontramo-la entregue apenas à sua guitarra ou ao seu banjo, a definir uma entidade feminina de referência no meio... aqui temos blues a sério. A história da música parece no entanto ter passado bem sem ela – erro crasso esse -, por muito que músicos de calibre chamam-se a atenção para Dalton. Nick Cave ou Devendra Banhart tecem-lhe elogios; por outro lado, podemos encontra-la em fotografias com uma figura como Bob Dylan; este que a defende como sendo a sua cantora preferida. Existem razões para tal alarido e grande parte delas podem ser encontradas neste disco. Que o erro, depois da sua morte, seja então corrigido. (9,5/10)

Reedições (1)

2007-01-17T00:57:00.000Z

"In My Own Time" by Karen Dalton.
(2006 / Light in the Attic)

Torcesse o nariz quando se ouve a versão soul de “When a man loves a woman”, e tudo que se pode dizer para acusar esta obra de possivel desinteresse está dito. Também não interessa, em seguida ouve-se “In My Own Dream” e depois “Katie Cruel” e já não há volta a dar atrás. Deixamo-nos transportar no tempo, para uma época que não é esta – até porque o disco foi lançado originalmente em 1971 – e aí ficamos a pairar deliciados nesta música de enorme afectividade a blues, folk, country e soul. Vai-se ouvindo cantar o amor, como se quer que se cante; a melancolia, com a nostalgia requerida e a opressão com toda a contenção necessária; de uma voz extraordinária com uma sensibilidade marcante. E depois é a vez de dar o veredicto final, e “One Night Of Love” dita definitivamente: este é um álbum superior. Podia ser Billie Holiday, mas não é... é alguém com a mesma profundidade e talento – pasme-se. (9/10)

Híbridos (3)

2007-01-16T00:17:00.000Z

"Happy New Year" by Oneida.
(2006 / jagjaguwar)

Dada a sua irregularidade sonora, “Happy New Year” foi um daqueles álbuns que se estranhou nas primeiras audições que se fizeram dele. No entanto voltou-se (voltasse) a ele com bastante frequência, visto que havia sempre uma ou outra canção que fazia sentido ouvir em determinado momento; e pelas partes ouvidas em separado ganhou-se assim a consciência de um todo que pode adquirir justamente a sua lógica desta forma. O disco anterior de Oneida, “The Wedding” - igualmente magnífico -, também era desafiante nesse aspecto, se bem que agora está bem mais acentuado. Pode-se fazer uma comparação directa ao método criativo de Primal Scream, no corrosivo “Evil Heat”, se quisermos; mas também a Soft Machine. Ou seja, leva-se o mais longe possível os elementos da música que inspira estes grupos, criando um rock praticamente disfuncional, que sorve ainda vários elementos estranhos ao seu meio; mas que mesmo assim, em territórios inóspitos, consegue revelar as suas virtudes. Um estilo destes, ainda não está classificado de todo, no entanto consegue ser belo, e Oneida provam justamente isso com este excelente disco. (9,5/10)

Híbridos (2)

2007-01-13T16:50:00.000Z

“YoYoYoYoYo” by Spank Rock.
(2006 / Big Dada)

Aqui temos um exemplo concreto da capacidade que o hip-hop tem para sofrer metamorfoses e se reinventar; no entanto, desta vez a transformação foi tal, que “YoYoYoYoYo”, o disco de estreia de Spank Rock, tem de ser colocado à margem de um qualquer estilo já definido. De facto não será correcto de todo classificar esta obra do duo vindo de Baltimore e NYC, pois não se sabe em concreto o que uma música que assimila influências do hip-hop, house, tecno, electro, grime ou tecno, é.... Neste caso sente-se que não existe a necessidade de se criarem barreiras para a construção de uma linguagem própria, por excelência física e pujante; por isso esta é uma música de impulsos e sem preconceitos... música que merece, e deve, ser ouvida. (9/10)

Híbridos (1)

2007-01-13T00:52:00.000Z

Não se sabe bem o que são, se isto, aquilo, tudo ou nada disso... Essa característica torna-os justamente tão desafiantes, e nos casos em questão, irresistivelmente estimulantes. Quem está em questão são as descaradas Cansei de Ser Sexy (magnífico nome, este), os melómanos Oneida e os impulsivos Spank Rock. Admiráveis casos de vitalidade artística do ano de 2006. Para já, escreve-se sobre Cansei de Ser Sexy.

"Cansei de Ser Sexy" by Cansei de Ser Sexy.
(2006 / Sub Pop)

É impossível não se ficar bem disposto com o álbum homónimo das Cansei de Ser Sexy, colectivo vindo de São Paulo. Aquilo que está representando no disco não será propriamente a cultura do país de onde são originais, será antes uma mescla de diferentes correntes musicais urbanas da Pop mais imediata (sobretudo da nipónica) a colapsarem com uma abordagem Indie de criação musical num caldeirão de humor insolente que torna este disco irresistível. Vêm à memória LCD Soundsystem, Hole, Peaches, Daft Punk, Le Tigre; assim como, sem perder credibilidade, casos aberrantes da Pop que tinham justamente a pretensão de criar música como a que se ouve neste disco - como que, se as “Sailor Moon” irrompessem num filme de Hayao Miyazaki. E é de facto de louvar que nada disso é dissimulado, sendo apenas apresentado com a maior das simplicidades, por isso merecem todo o mérito por conseguirem tal habilidade. (8,5/10)

Electrónicas (7)

2007-01-12T01:06:00.000Z

“An Announcement To Answer” by Quantic.
(2006 / Ubiquity)

O quarto registo de Quantic conta com uma estratégia interessante a nível musical, própria de marca de autor que se afirma enquanto tal. “An Announcement To Answer” é aliás, a consagração disso para Will Holland, o nome por detrás do projecto. Recorrendo a influências orientais, balcânicas e porto-riquenhas, conjugadas com uma sensibilidade de apelo à pista de dança – o que consequentemente traz também para a amalgama correntes de inspiração urbana – o todo que daí nasce é um triunfo estético que distingue Holland como sendo cada vez menos um seguidor de correntes para se afirmar enquanto referência. Não ficará muito longe de um estilo – aqui cinematográfico – de Wong Kar-Wai, porém com uma necessidade de movimento corporal mais ritmado, pois esta sonoridade é por excelência criada para que a sua audição se possa traduzir nisso, mas que está longe de impedir a sua contemplação num sofá confortável. E dito isto, resta dizer que, portanto, temos autor. (9/10)

Electrónicas (6)

2007-01-11T00:35:00.000Z

“Post Industrial Trauma” by Post Industrial Boys.
(2006 / max.ernst)

Não é mais um albúm elegante, é um albúm elegante – como não se ouve muitas vezes -, aquele que os Post Industrial Boys deram a conhecer em 2006. Para se tirarem as dúvidas oiça-se logo à partida algo reconhecível: a magnífica versão de “Take A Walk On The Wild Side” de Lou Reed. Se for possível não se ficar convencido, oiça-se em seguida “Encounter” ou “Land Of Flowers”... e se depois se criar a dúvida de que o disco possa manter-se a esse nível escolha-se qualquer uma das outras canções – e existem muitas hipóteses, o registo conta com 20 canções – para que ela se dissipa. “Post Industrial Trauma”, o segundo tomo do grupo, no seu todo é altamente enriquecedor para solidificar a estética criada no primeiro disco. A maior parte das características mantêm-se: temos as mesmas sugestões paisagísticas, ora enubladas, ora límpidas; criadas por uma música digital delicada, que tanto consegue ser tranquila como apenas aparentar que o é – quando evoca toda a fatalidade de um filme “Noir” -; acompanhada por vozes monocórdicas que praticamente ronronam ao microfone quando isso é necessário. E assim sendo, basicamente aquilo que se quer transmitir é que os Post Industrial Boys continuam a criar uma Pop Electrónica indispensável, por isso venha o terceiro tomo. (8,5/10)

Electrónicas (5)

2007-01-10T00:19:00.000Z

“Silent Shout” by The Knife.
(2006 / Mute)

Foi sem dúvida um lançamento estimulante, este “Silent Shout” dos The Knife. Bizarro que baste para colocá-lo na prateleira da melhor música alternativa que por aí se faz, sorve no entanto para o seu universo uma sensibilidade eficaz de plena qualidade Pop, que injecta nesta música um humanismo essencial à maquinaria industrial utilizada. Prevalece no entanto, e sempre, a utilização de influências da corrente Tecno, por isso não será de surpreender o quanto o álbum consegue ser descarnado na sua vertente melódica; injectando doses suficientes de inquietação no seu conteúdo, que não deixam propriamente o ouvinte reconfortado com a sua audição. Existe por aqui uma constante desagregação melódica que desafia o ouvinte a ouvir as soluções que são adoptadas, fazendo porém, com mestria, com que ele não se sinta defraudado por aceitar tal desafio. No seu todo, é uma obra genuína a que os The Knife nos presenteiam em 2006 - a sua melhor -, que serve ainda para celebrar o que de melhor da música electrónica se faz actualmente. (9,5/10)

Electrónicas (4)

2007-01-09T00:34:00.000Z

“Tasankokaiku” by Shogun Kunitoki.
(2006 / Fonal Records)

Tal como o nome, a música de Shogun Kunitoki não é propriamente fácil de reter, mesmo que esta seja constituída por um conjunto de retalhos mais ou menos identificáveis. O quarteto, vindo da Finlândia, explora com devoção o universo do Krautrock como que este fosse a fonte ideal para revelar paisagens psicadélicas, encontrando assim uma linguagem muito própria; que, por muito que evoque referências, nenhuma delas serve para definir em particular aquilo que “Tasankokaiku” é. O álbum em si é constituído por sete peças instrumentais analógicas que evoluem de forma vibrante (adjectivo aplicado de forma literal), no entanto, devido a essa característica, essa evolução parece ser mais sugerida do que propriamente concretizada, pois esta música parece querer persistir em não evoluir para lado algum, caracterizando assim um todo abstracto que dita que apenas consegue encontrar um sentido concreto em si próprio. É uma pilhagem de som magnífica a que é apresentada nesta obra, e, caso se oiça com atenção, descobre-se que de facto existe aqui profundidade. (9/10)

Electrónicas (3)

2006-12-31T14:56:00.000Z

Nos tempos que correm, Herbert tem sido o nome mais requisitado para defender um estilo que em termos criativos parecia ter estagnado por completo: o House e seus afins... O nome desse criador maior servia assim, por si só, para justificar a existência do género. Agora que Herbert tem, cada vez mais, andado a dedicar-se à exploração de sonoridades acústicas; outros nomes - que têm vindo a ameaçar reclamar os méritos do território -, parecem estar a afirmar-se definitivamente: Isolée será a caso mais vincado disso; Luomo será o nome com uma instigação mais direccionada para dar bom nome ao género no seu sentido mais convencional; e Matmos, com a sua investida numa sonoridade mais acessível, acabam também por estabelecer coordenadas no território.
No caso de Isolée, 2006 não conta propriamente com novidades, mas sim com reedições dos seus primeiros trabalhos, nomeadamente o seminal “Rest” e uma colecção de temas editados em vinil entre 1997 e 2003, “Western Store”. Servem assim estas duas obras para ditar que o nome por detrás do projecto, Rajko Müller, não vive exclusivamente de “We are monster”, muito pelo contrário; e completam um todo que serve como referência na construção daquilo que se entende por capacidade de um autor em criar possibilidades sonoras modernas. Não tanto tendo como base esta última ideia, mas sim a inspiração dos resultados que dela advêm, os Luomo pegam nas pontas soltas do Deephouse e dizem que não... que não é um meio parco de soluções; e que, com sensibilidade, que se quer assertiva por excelência, podem-se conceber obras genuínas mesmo trabalhando exercícios de estilo. Os grandes criadores são assim; conseguem apropriar-se de resultados de ideias de outros e torná-los seus, e “Paper Tigers” é exactamente isso - por isso não se estranhe que, por exemplo, “Bodily Functions” de Herbert nos venha à memória durante a audição do disco –; para além de ser um obra que emana calor por todos os elementos que a constituem. Por fim, resta então falar dessa obra altamente enriquecedora que é “The Rose Has Teeth In The Mouth Of A Beast” de Matmos. Esta obra tem muito para dizer e que se lhe diga. É enorme nos seus propósitos – traçar um perfil musical biográfico de grandes personalidades que são fontes de inspiração do duo, tais como Patrícia Highsmith, William Burroughs ou Ludwig Wittgenstein -, e enorme no resultado final. O objecto físico é, por si só, magnífico; trás consigo retratos individuais de cada um dos autores homenageados em cada uma das canções, feitos por alguns dos artistas plásticos mais importantes da actualidade – um meio que serve para que, também a estes, Matmos prestem o seu tributo -, e depois vem a música que ainda trás consigo uma série de nomes de craveira que se juntaram para cooperar com o duo: Björk, Antony e Kronos Quartet; são alguns dos que se podem encontrar. O resultado sonoro é soberbo. Pode-se dançar com ritmos demarcados por grasnar de patos, melodias criadas a partir do desabrochar de rosas ou criadas a partir de outros sons menos convencionais. O ouvinte perceberia isso se não soubesse que os Matmos fazem disso a sua matéria prima? Provavelmente não, e é por isso que este álbum perde todo o peso da noção conceptual que se lhe poderia atribuir, para que no fim da sua audição se entenda o porque de ter sido aquele que mais gozo deu a fazer ao duo.

"Rest" de Isolée (9/10).
“Western Store” de Isolée (9/10).
“Paper Tigers” de Luomo (8,5/10).
“The Rose Has Teeth In The Mouth Of A Beast” de Matmos (9,5/10).

"Rest" by Isolée.
(2006 / Playhouse)

“Western Store” by Isolée.
(2006 / Playhouse)

“Paper Tigers” by Luomo.
(2006 / Huume)

“The Rose Has Teeth In The Mouth Of A Beast” by Matmos.
(2006 / Matador Records)

Electrónicas (2)

2006-12-22T01:26:00.000Z

Falou-se muito de Dubstep no decorrer do ano de 2006, e com razões para isso. Este é um género que já andava a ameaçar afirmar-se à algum tempo, e conseguiu isso graças a lançamentos dos álbuns de Burial, Kode9 & the Spaceape e Skream. Todos eles são respeitados no meio, agora, para além disso, começam a ser respeitados pelo público em geral; até porque quem viveu em pleno a cena electrónica dos anos 90, em particular o Trip-hop, Dub ou Drum & Bass, pode encontrar neste género um seguidor digno dos caminhos trilhados pelos mentores dos géneros anteriores, sendo que o Dubstep será uma espécie de sequência lógica do que por aí há para continuar a desbravar. E só mesmo nos álbuns dos artistas agora em questão é que se pode vislumbrar uma descendência digna de álbuns como “Blue Lines” dos Massive Attack ou “Pré-Millenium Tension” de Tricky, duas obras monumentais que muito influenciaram a música da última década e que até à data não teriam ainda tido alguém capaz de evocar dignamente as paisagens aí descritas.
No entanto nenhum dos artistas de quem agora se escreve se colam mais a géneros propriamente ditos do que à exploração de espaços de desenvolvimento do seu próprio carácter. Existe por aqui a declaração de individualidades suficientemente distintas entre si; e a exploração de uma Folk diluída em electrónicas narcórticas é um recurso vasto para que cada um deles possa vincar a sua personalidade. Porém os espaços desoladamente paranóicos e um quanto melancólicos é algo que todos partilham (sobretudo os Burial e Kode9 & the Spaceape), assim como o incitamento a uma sonolência rítmica. Esta última característica parece querer deixar de restringir o género apenas aos clubes onde a cena é vivida para que agora possa ser apreciada em qualquer casa de quem a acolhe. Para finalizar, e para que não hajam dúvidas, neste espaço afirma-se que são os lançamentos mais importantes do ano. (9,5/10 para todos eles)

"Burial" by Burial.
(2006 / Hyperdub)

"Kode9 & the Spaceape" by Kode9 & the Spaceape.
(2006 / Hyperdub)

"Skream!" by Skream.
(2006 / Tempa)

Electrónicas (1)

2006-12-20T01:45:00.000Z

Em 2006 a música electrónica parece ter ganhado um novo fôlego. Um considerável número de bons discos, que se podem inserir no género, foram lançados no decorrer do ano, sendo que, é justamente aqui onde se podem encontrar alguns dos lançamentos mais importantes do ano quando se pensa na responsabilidade da música em explorar novos territórios estilísticos e experimentar novos meios ou métodos de criação. Por outro lado, houve ainda gente no meio capaz de reafirmar a sua criatividade independentemente das condições anteriores. Responsáveis por tudo isso foram grupos como Burial, Herbert, Isolée, The Knife, Kode9 & the Spaceape, Luomo, Matmos, Mouse On Mars, Post Industrial Boys, Quantic, Shogun Kunitoki, Skream, Spektrum e Wise In Time.
Aqui, já se escreveu sobre Herbert e Wise In Time; de Mouse On Mars, aqui; em seguida escreve-se – com todo o gosto – sobre “Fun At The Gymkhana Club”, o álbum dos Spektrum.

“Fun At The Gymkhana Club” by Spektrum.

(2006 / Nonstop)

De facto, é com grande entusiasmo que se destaca novamente os Spektrum, aqui, neste espaço. Acreditou-se neles quando lançaram o seu primeiro álbum em 2004, “Enter... the spektrum”; tudo porque uma faixa como “Freefall” não deixou que o grupo passasse desapercebido, sendo a responsável pela descoberta de um magnífico álbum. Em “Fun At The Gymkhana Club” existe “Don’t Be Shy”; que tem todas as características contagiantes de “Freefall”. Aliás, após ouvir o presente álbum, aquilo que se poderá pensar para alegar em seu favor são precisamente os mesmos argumentos do anterior, sem que isso o desvalorize. Isso porque os Spektrum continuam cheios de vitalidade e energia a nível criativo... e a impressionar. Mesmo que o presente álbum seja mais polido que o anterior não se perdeu nenhuma afirmação das potencialidades que o grupo tem para criar novas sonoridades urbanas excepcionais.
Lola Olafisoye continua a ser uma vocalista e interprete de canções perturbante (ela é grandiosa – muito - com todas as suas peculiaridades extravagantes), e os restantes elementos do grupo, responsáveis pela maquinaria instrumental, apenas limaram algumas arestas do anterior diamante em bruto, sendo que neste álbum se sente invariavelmente um maior investimento na aproximação ao formato de canção propriamente dita. Tudo isso é bom e nada que chegue para diminuir o disco. Qualquer crítica ao álbum mais facilmente irá tornar-se obsoleta que o próprio; por isso o melhor mesmo será ouvi-lo. (10/10)

Elas... (3)

2006-12-18T02:03:00.000Z

Em seguida fica mais um olhar sobre alguns dos discos que se considera que merecem destaque no ano de 2006, onde Elas são a figura central. As suas vozes, atitude, talento e originalidade, assim o impõem; e gosta-se que assim o seja. Lisa Germano, Susanna & the Magical Orchestra e Ursula Rucker encerram assim a secção que se lhes dedica.

“In The Maybe World” by Lisa Germano.

(2006 / Young God Records)

“In The Maybe World” é mais um belo álbum de Lisa Germano, que sucede o não menos belo “Lullaby For Liquid Pig”; podendo-se até considerar um descendente directo desse. Por conseguinte poderá acarretar o mesmo problema que o seu antecessor: passar desapercebido e não se abonar com o respectivo afecto que merece, negligenciando-se uma vez mais uma artista de facto talentosa. A música de Lisa Germano é inteligente, por excelência cerebral, sendo o presente álbum também um reflexo disso. Num registo onde se confunde ultra-realismo com fantasia, sensualidade com drama, entre outros conceitos limite e opostos; a voz de Lisa Germano apresenta-se perfeitamente focada nos seus propósitos, sendo que, a música que a acompanha, é também um elemento vital para os alcançar. (9/10)

“Melody Mountain” by Susanna & the Magical Orchestra.

(2006 / Rune Grammofon)

Susanna & the Magical Orchestra apresentam em 2006 uma obra que segue a brilhante linhagem de discos como “The Covers Record” de Cat Power, “Cover Magazine” de Giant Sand, “People Are Strange” de Stina Nordenstam ou “Strange Little Girls” de Tori Amos. Ou seja, álbuns onde as canções que eram de outros deixam de o ser para passarem a pertencer àqueles que decidiram apoderar-se delas; sem no entanto se faltar ao respeito do original, mesmo que ele se apresente completamente irreconhecível. E vê-se assim surgir um mote de versões de canções mais ou menos conhecidas. Os originais ganham um novo fôlego graças a quem agora as interpreta e que deixa neles a sua patente registada. “Melody Mountain” corre o risco de parecer aborrecido devido ao tom estável que adopta do inicio ao fim, no entanto também corre o risco de se tornar justamente o oposto, podendo-se assim sair plenamente gratificado da sua audição. (8/10)

“Ma At Mama” by Ursula Rucker.

(2006 / !K7)

Ursula Rucker continua a ter muito para dizer e continua a saber como dizer. Com um estilo muito próprio fala-nos sobre o estado da contemporaneidade de uma cultura negra que cada vez mais parece andar a perder-se justamente naquilo tem vindo a reivindicar para si. Mordas, como se exige do Hip-Hop ou do Rap, ela reclama para si eficientemente as características desses estilos para que, em formato de Spoken Word, possa proclamar mensagens politicas acompanhadas por uma secção musical rica em melodias estimulantes e ritmos hipnóticos; havendo ainda a oportunidade para prestar homenagem a uma série de brilhantes entidades que ajudaram a definir uma comunidade artística e cultural que têm agora uma vasta influencia no mundo ocidental. Ursula Rucker continua cheia de vitalidade e sem receio algum de tocar na ferida quando é necessário, sendo “Ma At Mama” um exemplo notável disso. (9/10)

Elas... (2)

2006-12-13T01:27:00.000Z

Existem álbuns que parecem trazer consigo todo o encanto perdido de uma cultura. Obras que conseguem a proeza de rejuvenescer géneros aparentemente esmorecidos a nível criativo, com toda a solenidade que se exige. Exemplo disso são “5:55” de Charlotte Gainsbourg, “A Primitive Guide To... Being There” de Jhelisa e “Springtime Can Kill You” de Jolie Holland; escreva-se então sobre eles...

“A Primitive Guide To... Being There” by Jhelisa.

(2006 / Infracom!)

Jhelisa consegue numa assentada revolver as raízes da música afro-americana e criar um prodigiosos álbum gospel, primoroso em melodias delicadas acompanhadas por arranjos vocais extraordinários. Espantoso, a nível melódico (no seu todo), é justamente a proeza de se ter obtido um sofisticado resultado final sem nunca se perder de vista as tradições que estiveram na sua origem. Começou por ser gravado em Nova Orleães, no entanto um fenómeno designado Katrina, não permitiu que as gravações fossem aí terminadas. Como consequência do sucedido, Jhelisa acaba ainda por reflectir na obra a necessidade da recriação de uma integridade comunitária numa cidade que luta para ir de encontro à áurea alegre que a caracterizava... Uma obra humana sobre humanidade. (9/10)

“5:55” by Charlotte Gainsbourg.

(2006 / Because Music)

Em “5:55” encena-se o imaginário de uma cultura francesa tal como esta tem chegado ao resto do mundo nas últimas décadas. Uma cultura que tem na música como responsáveis nomes como os de Air, que por sua vez têm como fonte de inspiração o incontornável ícone do país que é Serge Gainsbourg - culpado pela disseminação de um charme bandido, a emanar fetiches sexuais por tudo quanto é poros num ambiente onde o álcool é fundamental e o fumo de cigarros paira no ar. É justamente nesse meio que a filha do principal responsável da criação desse imaginário vai ao encontro dos que nele se inspiram para espalhar a sua sensualidade. A sua voz combina bem com a música dos Air, deixando assim que eles fantasiem com ela enquanto languidamente trata de os deixar extasiados com as suas interpretações. (8,5/10)

“Springtime Can Kill You” by Jolie Holland.

(2006 / Anti-)

E eis que, finalmente, Jolie Holland faz aquilo que tem vindo a ameaçar fazer e que tinha ficado aquém em disco anteriores: um álbum maior. “Springtime Can Kill You” é o seu melhor álbum e é belo. Uma obra que ajuda a definir um espaço como pertencente cada vez mais à artista em causa, independentemente do facto de trazer para a ribalta toda a nostalgia de uma cultura musical americana de um inicio do passado século para adejar harmoniosamente no universo da obra. Essa nostalgia é aqui utilizada mais como um meio do que - ao contrário dos discos anteriores de Jolie Holland -, um fim a atingir. (9/10)

Elas... (1)

2006-12-11T01:30:00.000Z

Em 2006, uma série de deslumbrantes vozes femininas foram as responsáveis pela criação de alguns dos álbuns preciosos do ano, nomeadamente: Cat Power, Charlotte Gainsbourg, Jhelisa, Joanna Newsom, Jolie Holland, Lisa Germano, Neko Case, Susanna & the Magical Orchestra e Ursula Rucker. É pena não se poder juntar a esse mote tanto o nada inspirado “Briefly & Shaking” de Anja Garbarek (que sucede o magnífico “Smiling & Waving”), como o razoável “Slappers” de Dani Siciliano; elas têm indubitavelmente belas vozes, no entanto os presentes discos, na integra, não convencem, embora se encontrem neles algumas faixas valiosas. Feist e PJ Harvey também lançaram discos em 2006, a primeira “Open Season” e a segunda “The Peel Sessions 1991 - 2004”; tratam-se de releituras ou reinterpretações daquilo que já é mais ou menos conhecido de ambas, e devido à falta de novidade propriamente dita, acabam por ser obras apenas com especial interesse para os fãs fervorosos; se bem que não se sai propriamente prejudicado pela audição de ambos.

Dos álbuns de Cat Power e de Neko Case já se falou por aqui e por aqui, respectivamente. Fica em seguida um texto sobre uma surpresa que dá pelo nome de Joanna Newsom. Das outras, e de mais algumas, ir-se-á falar em futuros textos.

“Ys” by Joanna Newsom.
(2006 / Drag City)

“Ys” é já o segundo disco de Joanna Newsom (insista-se no nome, para que ele fique bem gravado na nossa memória), que traz com ele cinco faixas com uma carga dramática encantatória que pode dificultar a vontade de cessar a sua audição. São cinco canções onde tudo parece acontecer, cinco canções inspiradas pela mitologia bretã, cinco canções que pertencem a um mundo que parece não ser o actual mas que também não poderia ser outro. Esta última característica é justamente uma das impressionantes qualidades do álbum. Isso consegue-se pela utilização de referências a contextos líricos e gráficos de cariz arcaico que se combinam com as composições folk – linguagem utilizada por excelência, onde se sente o extraordinário contributo de Van Dyke Parks – que ostentam um misto que tem tanto de aura medieval como de cultura cinematográfica e que se fazem acompanhar por uma voz ora ameninada, ora matura. Assiste-se aqui a uma demonstração muito pessoal, intimista, se assim o quisermos, de uma ideia conceptual; por alguém que no presente contexto chega até ao ouvinte como sendo muito peculiar, alguém que vive neste mundo mas que tão bem poderia ser a princesa que evoca no álbum. (9/10)

why I love these Girls… pt.2

2006-11-21T01:51:00.000Z

OP8 (with Lisa Germano) - "Cracklin' Water"

Feist - "Secret Heart"

Neko Case - Unknow song

Harmonias

2006-11-19T16:52:00.001Z

"Passover" by The Black Angels.
(2006 / Light in the Attic)

Numa entrevista apresentada no suplemento “Y”, os Black Angels afirmam que a sua música é aquilo que toda a arte com interesse é: “A música é uma catarse, a forma de libertarmos aquilo que está escondido mais profundamente de forma a poder continuar com a vida de todos os dias.” Ao ouvir-se “Passover” não é assim de estranhar que a música destes americanos tenha uma certa qualidade de violência psíquica (infelizmente, por vezes, consciente de si mesma). Essa violência traduz-se não só na sonoridade que a banda apresenta neste seu primeiro disco, mas também nas letras das suas músicas. A nível sonoro esse fim é conseguido devido à preocupação que o grupo tem em tomar uma posição reivindicativa face ás correntes musicais dos anos 60, com grande perseverança na vertente psicadélica; a nível de letras o efeito é conseguido na forte predominância activista de uma campanha anti-Bush. Temos assim, e acima de tudo, um disco de consciência politica (mas não só – existe também espaço para purgações de âmbito mais intimista). O que é certo é que todas estas definições, e outras que se possam criar, em nada abalam um regenerado negrume que torna esta obra quase fantasmagórica num dos melhores discos rock do ano de 2006. (8/10)

IR - BLOG

2006-11-18T23:37:00.000Z

Devido ao desenvolvimento que o projecto “IR” vai ter, foi criado um blog exclusivo para ele. A ligação encontra-se disponível no logótipo acima apresentado. Trata-se de mais um descendente directo do BLUE RED AND DARK, do qual estou muito orgulhoso. De resto, tudo o que eu possa vir a dizer ou a desenvolver nesse projecto/coisa (ou seja lá o que for), será aí referenciado. Até breve.

Bj**

Pooch Café

2006-10-11T02:37:00.000+01:00

by Paul Gilligan.

Girls on Jools Holland (or why I love these Girls…) pt.1

2006-10-11T02:24:00.000+01:00

PJ Harvey - "Will's Song"

Mazzy Star - "Blue Flower"

Tori Amos - "Mr. Zebra"

Cat Power - "I Don`T Blame You"

Arte que alcançou o 7º lugar

2006-10-06T16:23:00.000+01:00

“Wo Hu Cang Long” by Ang Lee.

[“Wo Hu Cang Long” trailer]

“Wo Hu Cang Long” (“O tigre e o dragão”), de 2000 com a realização a cargo de Ang Lee, e “Ying Xiong”, de 2002 realizado por Yimou Zhang, são dois dos mais deslumbrantes filmes sobre artes marciais da história recente do cinema. Para além disso têm em comum o facto de reunir uma série de actores asiáticos mais conhecidos pelos seus desempenhos em filmes de acção, que em ambos os casos demonstram a sua capacidade para desempenharem artisticamente os papeis para os quais foram encarregues. Os filmes encontram-se ainda nas sumptuosas coreografias dos combates apresentados, em ambos os casos desafia-se tanto a imaginação como as leis da física para se apresentarem acrobacias e sequências de luta verdadeiramente soberbas.
No entanto nem o filme de Ang Lee, nem o de Yimou Zhang anula o do outro. As diferenças a nível narrativo e visual acabam por ser claramente distintas. No filme de Lee atinge-se mais profundidade no argumento, tanto na sua vertente feminista como a nível das filosofias utilizadas, para além disso, no geral, os efeitos especiais utilizados apresentam-se mais fidedignos ao olhar do espectador, isso não só devido à graciosidade com que Lee utiliza a câmara, mas também ao facto de a maior parte dos planos serem muito fechados e por as cenas se desenvolverem perspicazmente em ambientes soturnos ou sem luz directa. Como o filme de Yimou Zhang pretende ir mais além a nível visual - conseguindo-o com um estilo memorável, utilizando para isso a fotografia de Christopher Doyle que apresenta o desfile de uma magnífica paleta de cores saturadas -, utilizam-se sobretudo planos panorâmicos de espaços abertos (magnificamente iluminados) e recorre-se à natureza como mais uma arma vital para as cenas de combate; o desafio é assim maior e devido a isso por vezes é então necessário recorrer a alguns cortes ou a algumas estratégias técnicas que fazem com que as cenas de acção não se apresentem tão harmoniosas (sem nunca deixarem de o serem) como se sugere que o são.
O desafio era enorme, bem ao estilo de Kurosawa – a grande referência aqui e também deste género inconfundível do cinema -, e tal como este realizador, tanto Ang Lee como Yimou Zhang conseguiram alcança-lo, criando mais dois épicos incontornáveis sobre samurais e do cinema (não só do asiático), instigando o género com uma beleza irresistível. ("Wo Hu Cang Long" - 9/10, "Ying Xiong” - 8,5/10)

"Ying Xiong” by Yimou Zhang.

["Ying Xiong” trailer]

posi+ive

2006-10-06T00:43:00.000+01:00

Descoberto no blog do LusoBoy, deixo aqui esta magnifica curta metragem intitulada “posi+ive” de Brian Gonzalez, onde ainda se ouve um tema de uma voz sempre deslumbrante, “From a shell” de Lisa Germano.

And the Earth spins round
While the people fall down
And the world stands still
Not a sound, not a sound
There is love, there is love
To be found
In the worst way, in the worst way
In the worst way

It’s the buzz, it’s the buzz
It’s the buzz
It’s the buzz, it’s the buzz
I wish I was
It’s the buzz, it’s the buzz
It’s the most fuzz
From a little shell
At the bottom of the sea
Was the Earth and the Moon
And the Sun above me
But the world fell down
With some people still around
There is love, there is love
To be found
With the Gods all gone
And the souls making sounds
In the worst way, in the worst way
In the worst way
It’s the buzz, it’s the buzz
It’s the buzz
It’s the buzz, it’s the buzz
I wish I was
It’s the buzz, it’s the buzz
It’s the most fuzz
From a little shell
At the bottom of the sea
Was the Earth and the Moon
And the Sun around me
There is love, there is love
There is love
It’s a buzz, it’s a buzz
It’s a buzz
It’s the buzz, it’s the buzz
I wish I was
It’s a buzz, it’s a buzz
It’s a buzz

Earl & Mooch

2006-10-04T00:43:00.000+01:00

by Patrick McDonnell.

Harmonias

2006-10-03T02:14:00.000+01:00

“Varcharz” by Mouse On Mars.

(2006 / Ipecac Recordings)

“Varcharz” é já um dos bons discos da reentrada musical, habitual nesta altura do ano, que demonstra mais uma vez um grupo capaz em apostar na reinvenção. Trata-se de um albúm que apresenta melodias violentas de modo preciso, que tanto buscam a sua inspiração ao free-jazz como à história da música electrónica abstracta e que, no seu todo, elaboram um conjunto eficaz de experimentação sonora. Violência será a palavra de ordem de um disco que é praticamente todo ele trespassado por densas camadas de ruído criadas tendo como base loops de riffs, baixos com pedais de distorção ou outros elementos menos identificáveis geradores de som; que tanto impulsionam à dança como à contemplação por serem capazes de criarem corpos bem definidos, corpos esses que ainda conseguem ser intrinsecamente intricados por acumularem um vasto arsenal de sons electrónicos. (8,5/10)

Leituras entre lençóis

2006-10-02T02:43:00.000+01:00

“Bartleby & companhia” by Enrique Vila-Matas.

Existem prazeres que não se devem negar, existem outros que tem todo o sentido em serem negados. A essência de “Bartleby & companhia” não é com certeza essa, mas é uma das apaixonantes aproximações feitas à negação da escrita de alguns dos autores evocados pelas notas sem texto elaboradas por Enrique Vila-Matas.
“Bartleby & companhia” analisa particularmente a negação da escrita de vários autores, e valoriza justamente a obra deles pegando nesse ponto de vista. Bartleby, o personagem de um conto de Herman Melville, que ao ser encarregado de algum afazer responde impreterivelmente “que preferia não o fazer”, é o responsável pelo alento da elaboração desta obra incontornável da negação, levando o leitor a descobrir uma série de justificações que levam à elaboração de uma “literatura do Não”, uma literatura que se encontra suspensa por não se ter escrito, que eleva toda a literatura justamente devido a isso e que defende a grandiosidade desta por ter sido abandonada. Ou seja, comprova o facto de que alguns dos melhores autores o são devido a terem renunciado “à escrita para melhor a poderem afirmar”.
Enrique Vila-Matas acaba assim por também organizar um tipo de pensamento (perante um universo tal como o conhecemos) que leva o leitor a transpor a particularização feita para a escrita a ser adaptável a todas as matrizes que constituem o Ser para melhor o poderem definir. E se bem que nem todas as justificações são apresentadas para a “negação da literatura”, o livro por si só leva o leitor a questionar a própria literatura e a necessidade dela, de forma lúdica e irreversivelmente de modo emotivo. E se a ausência de uma crítica a esta obra só a iria valorizar, parte do entusiasmo que provoca merece ser apresentado. (9,5/10)

to see & to hear

2006-09-22T01:13:00.000+01:00

Portishead - "All Mine"

Massive Attack - "False Flags"

Tricky - "Aftermath"

PJ Harvey - "Down By The Water" Live

Lamb - "B-Line"

Queens of the Stone Age - "Go With the Flow"

Nick Cave & The Bad Seeds - "As I Sat Sadly By Her Side"

The Doors - "Riders On The Storm"

the glorious cynical thing

2006-09-19T01:43:00.000+01:00

The White Stripes - "Hypnotize"

I want to hypnotize you baby
On the telephone
So many times I called your house
Just to hear the tone
And though I knew you were't home
I didn't mind so much 'cause I'm so alone
I want to hypnotize you baby
On the telephone

I want to spin my little watch
Right before your eyes
You're the kind of girl a guy like me
Could hypnotize
And if this comes as a surprise
Just think of all those guys
Who would tell you lies
I want to spin my little watch
Right before your eyes

I want to hold your little hand
If I can be so bold
And be your right hand man
'til your hands get old
And then when all the feeling's gone
Just decide if you want to keep holding on
I want to hold your little hand
If I can be so bold

Sonic Youth - "Personality Crisis"

Wa wa wa wa wa wa wa
No no no no no no no no no
Na na na

Well we can't take her this week
And her friends all want another speech
Hoping for a better day to hear what she's got to say
All about the personality crisis
You got it while it was hot
But now frustration and heartache is what you've got
Talking talking talking talking personality personality

Now you're trying to be something
Now you've got to do something
Wanna be someone how wow wow
You must be thinking about the times you did
It took every ounce
Well it sure got to be a shame
When you start to scream and shout
You got to contradict all those times
You better flyin' about - it's a butterfly
You got a personality crisis
You got it while it was hot
Tell us how you know
Frustation and heartache is what you got
Coz when i'm talking talking personality personality
Yeh yeh yeh yeh

And you're a prima ballerina on a spring afternoon
Change on into the wolfman
Howling at the moon, awoooh
Got a personality crisis
You got it while it was hot
So hot y'know frustration and heartache is what you got
Talking 'bout personality
Talking / personality
Yeah yeah yeah

Now with all ing for some fragrant mother nature's sends
Your mirror's jammed up for all your friends
Personality everything is starting to blend all back to one
Personality when your mind starts to bend
Personality fashion of a friend
Of a friend of a friend of a friend of a friend
Personality wondering how celebrities ever met?
Tell us about personality crisis you got it while it was hot
He's always had frustration and heartache
Is what you got
Don't worry
Personality crisis please don't cry
Personality crisis please don't stop?
Cause you walk with personality
Talk with personality

Cartas a um jovem poeta (passagem)

2006-09-15T00:52:00.000+01:00

“Amar é bom, também, sendo o amor difícil. Pois um ser humano amar outro é talvez a nossa tarefa mais difícil, a última, a última prova ou teste, a obra para a qual todas as outras não passam de ensaios. Por esta razão os jovens, que são principiantes em tudo, não podem conhecer o amor: têm de o aprender. Com todo o seu ser, com todas as suas forças, unidos à volta do seu coração sozinho, tímido e acelerado, têm de aprender a amar. Mas o tempo de aprendizagem é sempre um tempo longo e isolado, e assim, amar por muito tempo no decurso das suas vidadas é solidão, intensificada e profunda solidão para aquele que ama. O amor não é no inicio algo que precise de fusão, de entrega, de união com o outro, (pois o que seria uma união se algo pouco claro e inacabado, ainda subordinado?) é um forte indicio do amadurecimento do individuo, que se torna algo dentro de si, que se torna mundo, que se torna mundo para si em função do outro, algo que faz dele a escolha e o chama para muitas coisas. Apenas neste sentido, com a tarefa de o trabalhar (“escutando e martelando dia e noite”), podem os jovens usar o amor que lhes é dado. Fundirem-se e renderem-se e todo o tipo de comunhão não é para eles (que devem poupar e juntar durante muito tempo ainda), é o último, é talvez aquilo por que a vida humana não é suficiente.
Mas os jovens erram com tal frequência e com tanta gravidade nisto: que eles (de cuja natureza faz parte a impaciência) atiram-se uns aos outros, quando o amor deles se apropria, espalham-se tal como são, com toda a sua desorganização, confusão... e depois? O que deve fazer a vida a este monte de existências meias baralhadas que eles chamam comunhão e que de bom grado eles chamaria felicidade, e se possível o seu futuro? Assim, cada um perde-se graças ao outro e perdem os outros e os muitos outros que ainda estão para vir. E perdem as possibilidade, trocam a proximidade e a fuga das coisas divinas e ternas por uma perplexidade estéril, da qual nada pode nascer, nada a não ser uma ligeira repulsa, desilusão e pobreza, e refugiam-se numa das muitas convenções que se criaram em grande número como refúgios públicos espalhados ao longo da estrada perigosa. Nenhuma dimensão da experiência humana está tão bem fornecida de convenções como esta; preservadores de vida das mais variadas invenções, aqui se encontram os botes salva vidas; a concepção social conseguiu fornecer abrigos de toda a espécie, pois com está disposta a tirar a vida-amor como um prazer, tem também de lhe emprestar uma forma fácil, barata, segura e certa, tais como os prazeres públicos.”

by Rainer Maria Rilke in “Cartas a um jovem poeta” traduzido por Mafalda Ferrari.

Esquecimento

2006-09-13T00:59:00.000+01:00

São inúmeras as pessoas que por mim passaram e nem sequer me apercebi, menos são aquelas que esqueci, poucas as que fui forçado a esquecer, hoje uma é quem não quero esquecer.... tornar-se-á amanhã uma daquelas que por mim passou e que de alguma forma esqueci, que me é fundamental para depois me lembrar aquilo que não quero esquecer... de não me esquecer daquela palavra...

Recesso

2006-09-12T01:10:00.000+01:00

Untitled photo by Bill Henson.

A culpa será do artigo que João Eduardo Ferreira escreveu para a edição #19 da imprescindível (mas de publicação pouco regular) revista cultural “Op” sobre o escritor Enrique Vila-Matas. Após a leitura do entusiasmado texto sobre o escritor espanhol, a minha curiosidade foi provocada, o que me levou a adquirir um conjunto de seis livros pelo preço de um (obrigado FNAC) dele. O que é certo é que – pegando na ideia de João Ferreira – apenas sai prejudicado quem ainda não teve a oportunidade de ler alguma obra de Enrique Vila-Matas. Neste momento praticamente todo o meu tempo livre é dedicado ao escritor, justamente considerado como “o melhor narrador espanhol no activo” ou o “autor espanhol vivo mais importante”. As edições da Assírio & Alvim, bem traduzidas por José Agostinho Baptista, de “A viagem vertical” e de “Filhos sem filhos” são dois bons exemplos. No entanto haverá muito para descobrir, Vila-Matas parece ser um escritor infatigável, de quem já se publicaram um número considerável livros. Altamente recomendável.

Filhos sem filhos (passagem)

2006-09-06T23:43:00.000+01:00

(...) “há pessoas que nunca se teriam apaixonado se não tivessem ouvido falar de amor.”

in “Filhos sem filhos” by Enrique Vila-Matas, traduzido por José Agostinho Baptista.

Calvin & Hobbes

2006-09-05T23:45:00.000+01:00

by Bill Watterson

A viagem vertical (passagem)

2006-09-05T00:42:00.000+01:00

(...) "que Manuel da Cunha apesar de todos os seus possíveis defeitos, lhe infundira certo respeito, enquanto Toscano lhe parecia um desses arrogantes artistas jovens – não o mencionou à primeira mas estava a pensar no filho Julián – que se acham os reis do mambo e procuram a originalidade quando deviam saber que procurá-la é uma maneira pouco subtil de a conseguir, pois para a conseguir bastar-lhes-ia ser eles próprios."

in “A viagem vertical” by Enrique Vila-Matas, traduzido por José Agostinho Baptista.

O vórtice de ambos os rapazes

2006-09-04T02:17:00.000+01:00

Tudo poderia ter sido tão elementar, por isso tudo se tornara tão complexo. O rapaz 2 passou a desejar o rapaz 1 mas este estava imerso na triste lembrança do desejo que tinha sido banido e na vontade de o voltar a haver. O rapaz 1 proporcionara ao rapaz 2 as oportunidades e os meios para que esse pudesse desenvolver uma aproximação entre ambos, mas nada de concreto fora feito... tudo foi irremediavelmente suprimido... O rapaz 2 viu-se impotente para lidar com tudo aquilo que tinha à sua disposição... não teria sido tarde, o rapaz 1 ainda aguardava por ele... no entanto tudo se encontrava demasiado intrincado. O rapaz 2 descobriu assim o esplendor da dor do sexo. O rapaz 1... todos aqueles que nunca teve foram os que mais amou.

Cruzou-se com um estranho na rua e apercebeu-se nesse instante que era capaz de se apaixonar por ele... o fim do romance não tinha chegado...

in "A morte do desejo" by JGSC - end of the blog version.

Bill Henson

2006-09-03T20:29:00.000+01:00

Untitled photos by Bill Henson.

Harmonias

2006-09-02T15:04:00.001+01:00

“The headlight serenade” by Triosk.

(2006/The Leaf Label)

É um exercício de profunda beleza aquele que o trio de Jazz Australiano Triosk apresenta em “The headlight serenade”. A profundidade desta obra entende-se no sentido de os músicos terem ultrapassado a dificuldade para expor um conjunto de harmonias que se desenvolvem de modo preciso e eficaz ao encontro de um espaço luminoso (aonde irão permanecer e revelar como são sublimes), deixando assim ao ouvinte a dificuldade de lidar com a beleza alcançada. Para esse fim programaram-se uma série de texturas electrónicas de cariz ascético que se diluem em sonoridades acústicas jazzísticas fazendo com que emirja um corpo que agrupa magnificamente todos os elementos. Claro está que não existe o receio de pôr tudo isso em causa e desarticular todo o discurso, utilizando assim a liberdade artística como um precioso meio na exploração de confrontos, no entanto o trio neste disco caminha numa direcção - a necessidade de revelar os factores opostos parece surgir tanto da necessidade de traduzir no exercício sonoro os obstáculos que se encontram para atingir o fim como da evasão emocional que se adquire ao ser alcançado o objectivo -; direcção essa que afirma a contemporaneidade do jazz enquanto género na busca da intemporalidade. Esplêndido. (9/10)

Pooch Café

2006-08-31T01:46:00.000+01:00

by Paul Gilligan.

O rapaz 2 com a outra e o rapaz 1 com os outros

2006-08-30T00:19:00.000+01:00

O rapaz 1 contraiu-se; não a deixou acomodar-se logo de inicio... por um instante pensou em desistir; no entanto os outros eram um casal atraente e o caos em seu redor estava instalado, deixou a do primeiro acomodasse e depois deixou a do outro acomodar-se também. A do rapaz 2 estava acomodada na da outra. A outra apercebeu-se do estado de desassossego do rapaz 2 mas não comentou o facto, deixou que ele se acomoda-se nela e desempenhou o papel que habitualmente executa quando se acha com ele nessa condição. Nessa noite, deu-se o primeiro contacto intimo entre o rapaz 2 e o rapaz 1, um beijo inacabado, que no caso do rapaz 2 teria sido o primeiro que recebeu de um homem... um elementar e inacabado beijo... mas desta vez admitiu que esse contacto físico o excitava, devido a isso fodeu-a como nunca o tinha feito antes e ao vir-se experimentou uma sensação que desconhecia.

in "A morte do desejo" by JGSC.

O rapaz 1

2006-08-29T00:56:00.000+01:00

A impulsividade não seria um meio para se relacionarem. Não lidavam bem com o elemento surpresa; tudo teria de ser bem pensado previamente para parcimoniosamente ser executado.
Numa noite cruzaram-se inesperadamente num local aonde já se poderiam ter encontrado antes. O rapaz 1 tinha bebido e fumado excessivamente, foi num estado que o podia ilibar de todo o comprometimento que se deparou com o rapaz 2 a olhar directamente para ele... este ficou especado à sua frente, prestes a deixar de sorrir... Nesse preciso momento o rapaz 1 ouviu distintamente o verso da música: “The most tender place in my heart is for strangers”... deu então um beijo nos lábios do rapaz 2 antes que este pudesse dissipar por completo o sorriso que ainda sustinha, olhou-o fugazmente e lançou-lhe um sorriso inacabado que lhe poderia ter sido oferecido pelo rapaz 2... O rapaz 2 não completou o sorriso, deixou que o rapaz 1 seguisse para o meio da multidão que dançava e que se perdesse nela; e foi à procura do seu caminho...

in "A morte do desejo" by JGSC.

Veracidade versus Utopia

2006-08-25T00:44:00.000+01:00

"Beethoven" by Max Klinger.

“Uma vez que a filosofia, a medicina e o direito estão longe de fazer a felicidade do homem, talvez a arte o consiga. Pelo menos é isto o que pensam os professores membros da Secessão, que em, 1902, decidiram aproveitar-se da 14ª exposição do seu movimento para apresentar em Viena, numa homenagem a Max Klinger, a sua escultura em mármore policromo, consagrada a Beethoven. Na realidade Klimt e os seus amigos vêem em Beethoven a encarnação do génio e na sua obra a exaltação do amor e do sacrifício capazes de trazer ao homem a salvação. Para esta geração decididamente utopista, somente a arte é capaz de assegurar a regeneração do mundo. É pela unificação de todas as artes (Gesamtkunstwerk) que a quimera se tornará realidade.”

in “Klimt” by Gilles Neret, traduzido por Jorge Valente.

O que foi dito ao rapaz 1 por ela

2006-08-24T01:25:00.000+01:00

- Não há o que possas dizer quando há tudo para dizer!?... Não há nada mais ensurdecedor que o silêncio no entanto foi ele que se apoderou de ti... Deixa de ficar imerso nesse caos que se instalou em ti, de seguires só nas noites, de te perderes na sua imensidão, liberta-te daquilo que é fugaz deixando de ponderar que esse homem possa vir a ser teu amante. E se o caos se impuser cria-o em teu redor, no seu seio irás encontrar a ordem e a aniquilação do desejo acabará por ser completa... O fim do romance não há-de chegar; sairás engrandecido na mesma dimensão da tua perda, será porém inevitável teres de lidar com ela.

in "A morte do desejo" by JGSC.

Spot The Frog

2006-08-23T00:41:00.000+01:00

by Mark Heath.

Breve história do rapaz 1 e do rapaz 2

2006-08-22T01:18:00.000+01:00

O rapaz 1 e o rapaz 2 viviam bem um sem o outro mas mal com a perda da capacidade de conseguirem conviver devidamente um com o outro. O rapaz 1 desejava que o rapaz 2 o desejasse do modo como ele o desejava, sem saber que o rapaz 2 apenas desejava que o desejassem. O rapaz 1 era capaz de o desejar... e o rapaz 2 deixava ser desejado; e os dias foram passando. Passaram-se dias e dias, semanas e semanas, meses e meses... o convívio manteve-se mas o desejo não... até que um dia o rapaz 2 morreu. Morreu sem que o rapaz 1 soubesse ser desejado pelo rapaz 2; este nunca lho dissera ou demonstrara convenientemente, apaixonou-se primeiro pelo desejo com que o rapaz 1 o desejava e depois pelo rapaz em si, mas o convívio manteve-se... O rapaz 1 nunca conviveu com o rapaz 2 da forma como desejava e ficou vivo... está vivo... agora questiona o tempo que dedicou a demonstrar discretamente o seu desejo pelo rapaz 2 e deixou de reflectir sobre a morte deste.

in "A morte do desejo" by JGSC.

A obra-prima desconhecida (passagem)

2006-08-21T01:01:00.000+01:00

“Se o artista não se precipita na sua obra como Curtius no seu abismo, como o soldado para o meio da refrega, sem reflectir, e se, nessa cratera, ele não trabalhar como o mais indefeso refugiado numa derrocada; se se puser a contemplar as dificuldades em vez de as vencer uma a uma, como esses amantes de fadas que para alcançar as suas princesas se põem a combater encantamentos renascentes, a obra ficará inacabada, perecerá no fundo do atelier, onde produzir se torna impossível e o artista assiste ao suicídio do seu talento.”

in "A obra-prima desconhecida" by Honoré De Balzac.

Arte que alcançou o 7º lugar

2006-08-20T02:10:00.000+01:00

“Innocence” by Lucile Hadzihalilovic.

“Innocence” de Lucile Hadzihalilovic retrata a educação nas áreas do ballet e da natureza que uma série de meninas recebem num colégio localizado num bosque isolado do mundo; um sítio deslumbrante mas estranho, capaz de provocar uma série de reacções comportamentais divergentes a cada uma das personagens, e onde não existem adultos, salvo algumas criadas idosas e duas melancólicas jovens tutoras. O filme assim apresentado poderá logo à partida não provocar grande exaltação no entanto se for adicionado o dado que o argumento de “Innocence” foi criado com base na adaptação de “Mine-Haha ou a educação corporal das meninas”, uma obra de Frank Wedekind (o mesmo autor de “Lulu”), será então de esperar que uma áurea de controvérsia se instale à volta do filme. A controvérsia instalou-se decididamente, e a própria realizadora fez questão de a espicaçar ao admitir que o filme pode ser alvo de acusações de perversão. As acusações teriam assim de acontecer... uma abordagem simplista do filme pode desde logo reduzi-lo a um exercício de instigação à pedofilia; no entanto talvez aqui a máxima - adaptada para este contexto -, de que a depravação está no olhar de quem vê o filme dessa forma, se adeqúe na perfeição. É um facto que o filme não se preocupa em esconder a sexualidade das meninas, apresentando-a exemplarmente de modo quase pictórico em determinados enquadramentos, mas trata-se de uma sexualidade que é de todo debilitada pela própria candura da interpretação das personagens e pelo próprio olhar que a realizadora acaba por ter perante elas, o que faz com que seja emanada uma forma pura e genuína de beleza, que por perturbar o espectador inibe qualquer aproximação ao desejo sexual. É a inocência que o filme aborda, e aborda-a magnificamente em diversos níveis que, em vez de serem explorados, vão sendo simplesmente apresentados para que se levantem questões que ficam a cargo de serem respondidas pelo espectador.
Ultrapassada a controvérsia do argumento temos a realização. A realização deste filme é soberba, segura e engenhosa. Trata-se mesmo de uma estreia prodigiosa a esse nível, existem ali dos melhores planos feitos para cinema, trabalhos de “traveling” magníficos e uma captação de imagem extremamente lúcida, uniforme e coerente. Benoît Debie, o director de fotografia, é também plenamente eficaz no controlo do imaginário do filme, ajudando a criar um ambiente que tem tanto de resplandecente como de sinistro. Ambos, o director de fotografia e a realizadora, fazem assim com que o filme seja visualmente extravagante e que a transfiguração do meio realista em que se desenvolve seja ludicamente tornado onírico (algo raro de se ver concretizado convincentemente no cinema).
O filme tem vindo a arrecadar tanto críticas entusiastas como críticas arrasadoras, agora; nada demove que o nome de Lucile Hadzihalilovic seja desde já uma referência para quem aprecie cinema, tanto a nível técnico como a nível de instrumento de debate. (9,5/10)

[TRAILER]

Hellen van Meene

2006-08-18T00:39:00.000+01:00

Untitled photos by Hellen van Meene.

Harmonias

2006-08-15T01:31:00.000+01:00

“Quixotic” by Martina Topley-Bird.

“Quixotic” foi um daqueles álbuns que passou completamente desapercebido aquando do seu lançamento em 2003. Foi escassa a sua divulgação, a sua distribuição e, lamentavelmente, a apreciação que se fez dele. E até agora praticamente nada mudou. É de lastimar isso visto que a responsável pela sua criação é não só um dos marcos dos anos noventa devido às suas colaborações nas obras-primas de Tricky ("Maxinquaye" e "Pre-Millennium Tension" - que o são por em parte muito deverem às suas vocalizações), mas também porque sempre que se tem a oportunidade de ouvir a sua voz prevê-se à partida que no fim da audição o ouvinte irá sentir-se grato por se ter dedicado à sua contemplação.
Martina Topley-Bird tem de facto uma voz esplêndida, quente e sensual, que liberta as palavras de forma aquosa e com uma languidez narcótica que deixam o ouvinte suspenso enquanto as ouve. A temática utilizada nos trabalhos anteriormente desenvolvidos, continua presente. Nas letras desta música não é assim de esperar um carácter idílico, a profundidade daquilo que Martina Topley-Bird profere aborda os receios mais íntimos do ser humano, existe uma grande aproximação à inquietação e à ânsia expositivamente exprimidas após terem sido assimiladas e de se ter aceitado o facto de ser inevitável de lidar com elas para, talvez devido a isso, agora se poderem apresentar de modo plácido; novamente de forma exemplar e intransferível em Quixotic. Mas também existe espaço para se falar de entrega e de desejo, de amor até, se se quiser aceitar essa perspectiva, sendo “Anything” exemplo cabal disso.
Nos arranjos da música podemos encontrar os cúmplices que seriam de esperar, como David Holmes ou Tricky e as colaborações inesperadas de Josh Homme (Queens Of The Stone Age) e de Mark Lanegan. Um desfile de nomes que tinha a responsabilidade de elevar a música ao nível do desempenho vocal de Martina Topley-Bird, porém ficam um pouco aquém o que baixa a fasquia do álbum. Não se tratam de composições duvidosas, apenas por vezes parcas na densidade que se pode exigir desses criadores e surpreendentemente escassas de perversidade sonora. Este último facto acabou por desviar este trabalho dos ambientes de retracção, por onde a cantora sempre se tinha movido, para ambientes expansivos que fazem com que Quixotic seja melodiosamente distinto de qualquer trabalho do seu passado ou com que se possa impor uma referência plausível por muito que se possam abordar aproximações aos blues, gospel ou à soul.
“Quixotic” merece que se tenha em mais consideração do que se tem tido, não será tarde nem cedo para mudar essa circunstância, porém negligente se não for alterada. (8/10)

Earl & Mooch

2006-08-13T21:08:00.000+01:00

by Patrick McDonnell

Harmonias

2006-08-12T01:33:00.000+01:00

“Whip It On” by The Raveonettes.

E porque há discos aos quais se volta amiudadamente por este ou por aquele motivo, fica aqui um olhar do álbum “Whip It On”, o primeiro dos Raveonettes, originalmente editado em 2002.
“Whip It On” foi um dos lançamentos inserido na vaga revivalista do Rock que se iniciou na primeira metade da presente década. Logo à partida o imaginário utilizado desperta a curiosidade e o interesse pelo objecto: o uso das estéticas inventadas nos filmes “Noir” e de “Série B” dos passados anos 50 e 60 tanto na parte gráfica do álbum como nos vídeos. A curiosidade é também espicaçada pelo facto de o álbum ter um som “estereofónico explosivo” e de apenas ser gravado num único tom, um “glorioso si menor"; como se publicita na capa do disco. Sabe-se ainda à partida que na feitura das oito canções se recorre apenas a três acordes, sendo que a duração de cada uma praticamente nunca ultrapassa os três minutos... E depois há as referências musicais a Jesus and Mary Chains e Velvet Underground; e, nas letras, a menção à geração “Beat” da literatura, com Jack Kerouac em destaque. O álbum tem assim todos os ingredientes necessários para se proceder à sua audição, na expectativa de se encontrar aquilo que todas as referências evocam: sexo, drogas e rock’n’roll; com todo o entusiasmo que a ideia contém em si, tudo integrado num ambiente soturno.
Depois ouve-se o álbum, e este passa como um autêntico furacão. O que é sugerido antes da audição é cumprido e os seus quase vinte e dois minutos de duração, sustentados no ruído e na fúria dos pedais de distorção, são dos mais excitantes que se ouviram no ano de lançamento do álbum. Acima de tudo o álbum é isso, excitação... habilmente retirada da densidade de alucinações nocturnas provocadas por estupefacientes e dos comportamentos desviantes que daí advêm, cerebralmente bem pensada e lucidamente bem executada nos dogmas utilizados.
Uma estreia colossal, aonde se apresenta um disco capaz de manter toda a sua intempestividade e coerência no decurso das audições que recorrentemente se farão a ele. (9,5/10)

Sune Rose Wagner

Sharin Foo

Literature.org

2006-08-11T01:02:00.000+01:00

Judith II (Salomé) by Gustav Klimt

Foi recentemente adicionada na secção de literatura do "BLUE RED and DARK" uma ligação para Literature.org. No sitio, constam textos integrais de obras de referência de vários escritores clássicos. Podem-se encontrar por lá obras da autoria de Bram Stoker, Emily Bronte, Fyodor Dostoevsky, Honore de Balzac, Mary Shelley, Rene Descartes ou de Voltaire, entre outros... Um sítio para descobrir e dedicar-lhe muito tempo.

Sobre Ele, quando não há tudo que se possa expressar

2006-08-09T01:12:00.000+01:00

Crio-as... Destruo-as. São necessárias para me proteger dele...para me entregar... Não lhe sou imune... Aquilo que se escreve dele Sei não ter utilidade... Sei que se mantém enquanto o seu entendimento É apenas incompreensível... Os acessos ao seu reconhecimento Ao tentarem dar-lhe forma, perdem-se em si e na dimensão que o sustém. Assim, ele vai e vem E eu desisto de o moldar...
Volta sempre grandioso, pronto a devolver-me o que de melhor tem Para levar consigo tudo o que ainda possuo.
Dá-me um pouco de vida para após ma retirar para se ir mantendo vivo... Não consegue passar sem mim assim como não consigo passar sem ele, ao tenta-lo expurga-lo recua e fica e espera... Espera até que eu esteja pronto a recebe-lo novamente Para ser alimentado, consumido-me impiedosamente. Assim apresentar-se-á grandioso... e grandioso se há-de manter na afeição que por ele tenho.

Calvin & Hobbes - Hot Summer

2006-08-08T03:04:00.000+01:00

by Bill Watterson

Les Voleurs (passagem)

2006-08-06T20:21:00.000+01:00

"Out of the closet and into the museums, libraries, architectual monuments, concert halls, bookstores, recording studios and film studios of the world. Everything belongs to the inspired and dedicated thief. All the artists of history, from cave painters to Picasso, all the poets and writers, the musicians and architects, offer their wares, importuning him like street vendors. They supplicate him from the bored minds of school children, from the prisons of uncritical veneration, from dead museums and dusty archives. Sculptors stretch forth their limestone arms to receive the life-giving transfusion of flesh as their severed limbs are grafted onto Mister America. Mais le voleur n'est pas pressÈ - the thief is in no hurry. He must assure himself of the quality of the merchandise and its suitability for his purpose before he conveys the supreme honor and benediction of his theft.

Words, colors, light, sounds, stone, wood, bronze belong to the living artist. They belong to anyone who can use them. Loot the Louvre! A bas l'originalitÈ, the sterile and assertive ego that imprisons as it creates. Vive le vol - pure, shameless, total. We are not responsible. Steal everything in sight."

by William Burroughs in "Les Voleurs".

Harmonias

2006-08-05T18:10:00.000+01:00

“The Eraser” by Thom Yorke.

No suplemento Y de 7 de Julho de 2006, do jornal Público, João Bonifácio escreveu sobre o mundo que Thom Yorke construiu até editar “The Eraser”, o seu primeiro álbum a solo. Estamos de acordo com aquilo que é dito... Thom Yorke é possuidor de um talento único e está-se longe de lhe reconhecer a dimensão do trabalho que tem vindo a desenvolver. Tem no entanto a seu favor o facto de ser reconhecido enquanto génio, embora muitas das vezes de forma indolente, mas irá de certo ser alvo de várias análises que posteriormente irão dignificá-lo como merece, tornando-o num símbolo daquilo que a pós-modernidade é, e o impacto que esta provoca no individuo.
“The Eraser” não é à partida uma surpresa. Já se teriam ouvido insinuações do criador no mapa interno agora traçado nos álbuns dos Radiohead, ou não tivesse Thom Yorke assumido toda a responsabilidade na criação daquele que é um dos mais magníficos objectos musicais da viragem de milénio – “Kid A”. Foi arrojada e provocante a metamorfose operada em termos sonoros em relação ao seu antecessor, o descomunal “Ok Computer”; mas estaria longe de ser uma ruptura artística perante ele; assim como o não é “The Eraser”, perante a obra dos Radiohead. Não se pretende retirar o mérito que têm os restantes elementos da banda enquanto pertencentes a um mesmo conjunto engenhoso, a análise aqui no entanto apenas está a passar por Thom Yorke, e é perante este ponto de vista que se reconhece que existe uma constância de linguagem utilizada ao longo do trabalho do músico, uma espécie de assinatura, se assim se lhe quiser chamar, que permite reconhecer aquilo que é emanado dele. Não será apenas a admirável criatividade ao longo da sua carreira, uma das melhores de sempre, assente nas suas paranóias; arrisca-se a dizer que se está perante o exorcismo da imensurabilidade de visões catastróficas traduzida em elementos sonoros. E se bem que isso possa parecer mais ou menos óbvio, evidente não será a percepção da sua obra enquanto tal, porque se o fosse provavelmente não se conseguiria ouvir novamente a sua música após ganhar-se de facto a consciência da profundidade dessa noção. Porém não é esse o tipo de aproximação que se faz à Música enquanto arte, está-se longe de afigurar poder-se reconhecer uma obra-prima que, por sê-la, tem de ser rejeitada, muito menos neste meio em questão; assim será mais confortável ser-se auditivamente negligente perante “The Eraser”. Thom Yorke já afirmou que a música que cria deixa-o doente, verosimilmente é assim que o ouvinte fica ao acercar-se verdadeiramente da sua obra, daí o seu mérito. (9/10)

Para além de ser de “Thom Yorke”, “The Eraser” também é de Stanley Donwood. Este último, o responsável pela assombrosa parte gráfica do álbum.
Stanley Donwood, que também tem vindo a desenvolver o design gráfico dos trabalhos dos Radiohead, criou “London Views” que acabaria por vir a figurar em “The eraser”. O trabalho é inspirado em ilustrações de um apocalipse medieval de Michael Wohlgemut & Wilhelm Pleydenwurff, presentes numa compilação de Hartman Schedel, publicada em 1943, que traça a história do mundo desde a sua criação até à presente data, com o nome de Liber Chronicarum.
O representado em “London Views” é uma visão apocalíptica do estuário do rio Tamisa, com as edificações emblemáticas de Londres rio acima impotentes perante a vastidão da destruição. Será com certeza um imaginário que complementa magnificamente a audição do álbum e que faz com que o objecto musical se torne ainda mais precioso.

“London Views” by Stanley Donwood.

Leituras entre lençóis

2006-08-04T01:02:00.000+01:00

"Drácula" by Bram Stoker.

Baseando-se nas superstições propagadas pelas gerações dos povos balcânicos, com origem no personagem histórico Vlad III, Bram Stoker (1847-1912), escreveu no final do século XIX aquele que é considerado hoje um dos clássicos da literatura gótica: o romance epistolar “Drácula”.
O romance narra o impacto que o conde Drácula causa numa viagem que faz a Inglaterra e como é que ele irá abalar a vida de uma série de personagens que até à data teriam entre si uma relação despreocupadamente burguesa. Essas personagens são: Jonathan Harker e a sua noiva Mina Murray; a amiga de Mina, Lucy Westenra; os pretendentes de Lucy, Quincey Morris, Arthur Holmwood e o cativante John Seward; o paciente de Dr. Seward, o perturbador Renfield e finalmente o cientista ortodoxo, interessado em crenças tenebrosas, Van Helsing. Enumeram-se as personagens apenas pelo facto de serem todas elas tão esplêndidas como o é o próprio conde; existe profundidade na definição delas todas, o que leva o leitor a sentir os dramas vividos por cada uma e a apegar-se a elas ao longo da estória visto conseguirem adquirirem a sua liberdade enquanto elementos únicos. Aqui, ao contrário do que posteriormente viria a ser explorado no cinema, não se toma o facção de Drácula; este é criado com grande encarniçamento, tanto no sentido de paixão, por ser uma criatura possuidora de impressionantes faculdades; como no sentido de crueldade, por, em contraposto, possuir tais virtudes devido ao facto de ser uma entidade diabólica - e aqui não há qualquer acepção de fascínio, mas sim a interpretação de estarrecimento perante tal facto. Essa ambiguidade de aproximação ao conde fará com que o romance possa exprimir uma admirável metáfora de alusão ao desejo da imortalidade suprimida pela necessidade da morte, usando para o efeito a força cabal da religião.
Quanto à narração, ela não podia começar com mais fulgor. Desde o inicio o leitor é envolvido num ambiente angustiante, misterioso, sugestivo e ilustrativo. Esse ambiente ao ser exposto a partir de documentos ilusoriamente factuais impõem o empenho na leitura da sequência de peripécias que os personagens vivem. Sofrerá uma pequena perda de ritmo na exploração da metamorfose de Mina após a da Lucy; no entanto essa quebra será aproveitada para justificar o novo ímpeto que ganham entretanto as personagens masculinas da obra.
Bram Stoker soube combinar habilmente intriga e terror nesta magnífica obra; não sendo assim de estranhar que o seu nome fique eternamente ligado nesta escrita capaz de subjugar o leitor da primeira à última página. (9,5/10)

Arte que alcançou o 7º lugar

2006-08-02T00:14:00.000+01:00

"Dracula" by Tod Browning.

Não deixam de ser irónicas as primeiras adaptações que se fizeram para o cinema do romance de Bram Stoker... Em 1922, o grande F. W. Murnau apresenta a sua versão para o cinema de “Dracula”, que seria também a primeira adaptação a ser feita para o grande ecrã, sob o disfarce de Nosferatu; e realiza um dos mais excepcionais filmes de sempre, utilizando com grande mestria os jogos de luzes e sombras na alusão à grande batalha do romance entre o bem e o mal, contornando de forma eficaz as limitações que a tecnologia da altura poderia causar, ou não fosse Murnau um dos maiores realizadores do movimento expressionista alemão. Quem não apreciou a homenagem a Stoker foram os gestores do seu património, que obrigaram o realizador a alterar os nomes das personagens e os locais da estória, e que mesmo assim quase levaram a que o filme fosse extinto por completo. A estória no entanto mantêm-se e é das mais fulgurantes adaptações que se fez desse clássico da literatura gótica para o cinema.
Em 1931 é a vez de Tod Browning apresentar a sua versão de “Dracula”. Desta vez os nomes mantêm-se no entanto a inspiração para o filme não se foi buscar ao romance mas sim a duas das suas adaptações para teatro, uma delas a cargo de Hamilton Deane e outra a cargo de John L. Balderston; não sendo assim de estranhar a condensação da acção e do espaço físico do argumento do filme de Browning.
“Dracula” em termos de realização não será tão inspirado quanto o é “Nosferatu, eine symphonie des grauens”, no entanto pode-se considerar que é o filme que teve o alento necessário para impulsionar um dos géneros incontornáveis no cinema: o filme de terror. Tod Browing ameaçava conseguir algo do género dada a temática grotesca dos seus filmes, e o que é certo é que o conseguiu. O filme, acaba mesmo por ser tão sombrio quanto o é o romance, devido aos magníficos cenários que apresenta e, sobretudo, devido à interpretação carismática de Bela Lugosi. O actor, que interpreta o conde Drácula, nem sequer teria sido a primeira escolha do realizador, porém revelou-se um dos mais dedicados protagonistas de sempre, interpretando o papel com um inconfundível sotaque húngaro - visto que nem sequer falava a língua inglesa - e com pequenas luzes direccionadas aos olhos para enaltecer a sobrenaturalidade do ser que encarnava; sendo assim o responsável por fazer com que o grande deslumbramento do filme fosse de facto a presença do mal e por despertar a afeição da cultura popular do século XX pelo lado sombrio do cinema. (8/10)

Pooch Café

2006-08-01T01:12:00.000+01:00

by Paul Gilligan.

Harmonias

2006-07-30T16:46:00.000+01:00

“Solo piano” by Gonzales.

Gonzales é com certeza um músico imprevisível. O compositor responsável por grande parte dos arranjos daquela obra seminal que é “Let it die” de Feist, será um daqueles exemplos máximos que não deixa a sua criatividade limitada a alguma forma de manifestação melódica, isso porque as possibilidades de expressão são imensas; e, como qualquer mente inspirada, irá avistar nelas as potencialidades para se afirmar e se libertar enquanto artista. É assim gratificante ouvir “Solo piano” (de 2004), o álbum do Canadiano que teria trilhado anteriormente caminhos como os do Trip-hop, Breakbeat, Hip-Hop ou Rap; a declarar o método clássico de criação do autor. As referência, assumidas, passam agora por nomes como Erik Satie ou Cole Porter; e a alusão a DJ Shadow de “Gonzales Uber Alles”, o longa duração de estreia, simplesmente deixa de existir.
Expõe-se em “Solo piano” dezasseis temas para piano, que fazem o ouvinte recuar no tempo para fazer uma viagem idealizada aos tempos áureos das musicalidades exprimidas pelo cinema mudo. São temas harmoniosos, aonde se coloca de parte estruturas desnecessariamente complexas, apresentando uma simplicidade de forma que permite ao ouvinte ir tão só e directamente ao encontro da essência desta música.
Gonzales é um diletante em todo o sentido do verbo, vai construindo uma carreira que, a prestar-se-lhe atenção, irá impor um novo génio que enquanto criador conceptual encontra a autonomia necessária para manifestar da sua sensibilidade enquanto ser humano. (9/10)

photo by Claude GASSIAN.

Harmonias

2006-07-26T01:10:00.000+01:00

Nos dias que correm, quando se ouve mencionar um álbum que experimenta uma abordagem do Jazz fundido com música electrónica a atitude mais provável a ter perante a obra será a indiferença. Não é pois de admirar a postura, por se tratar dum meio que foi explorado em excesso e de onde advieram cada vez mais abundantemente resultados catastróficos. É assim com agradável surpresa que se recebe os recentes “Scale” de Herbert e “The Ballad of Den the Men” de Wise in Time, por serem capazes de reanimar o género partindo exactamente do ponto aonde as cabeças pensantes por trás dos projectos o tinham deixado, levando-o mais além utilizando precisamente a mesma técnica de sempre, um olhar inteligente no passado aditada de uma abordagem tecnológica - cada vez mais requintada e refinada - de uso habitual na arte destes criadores; apresentando assim duas obras lúdicas na adopção de soluções viáveis que cada vez mais parecem uma sugestão que uma concretização por parte dos seus contemporâneos.

“The Ballad of Den the Men” by Wise in Time.

Antes de mais apresente-se o responsável pelo projecto Wise in Time: é ele Ian Simmonds. Isso poderá dizer muito se se pensar em “Return to X”; ou, enquanto Juryman, em “The Hill” (álbum com parte das vocalizações a cargo de Alisson Goldfrapp). Poderá ainda dizer nada; e das duas uma, ou por não ser um músico comummente conhecido ou então se a aproximação que se fez a ele foi através de algum dos outros álbuns que criou; não por serem maus, mas por não serem de todo indispensáveis. O presente projecto nasceu da união do músico com outros quatro - de Jazz, de origem Alemã - que o auxiliaram na feitura de mais uma obra relevante, ao nível das enunciadas acima.
A técnica de Ian Simmonds está cada vez mais cuidada e sobretudo cada vez mais fluida na exploração de um universo enublado pela contemporaneidade urbana, embutido da irreverência do Jazz e trespassado por um olhar bucólico - apresentado enquanto hipótese de refúgio. Para além disso a sua voz mostra-se mais veemente que nunca, e repleta de originalidade na citação das sofisticadas lenga-lengas inventadas.
É um grande álbum, como só Ian Simmonds tem a capacidade de conceber quando é assaltado pela inspiração, e quando isso acontece vale muito a pena prestar-lhe atenção. (9/10)

“Scale” by Herbert.

Herbert é um dos poucos músicos que tem vindo a operar uma autêntica revolução musical na presente década e isso enquanto explorador da história do Jazz. Ou seja, aborda o género nas diversas metamorfoses que este foi tomando, desde a sua criação, durante a sua época de oiro e ao longo do restante século XX; ou não fosse o Jazz ter a capacidade de se permutar e redefinir-se em várias vertentes... mostrando-se jubiloso nessa sua capacidade para se transformar. E, até à chegada e implementação da tecnologia no seio musical, já o Jazz tinha experimentado muitas redefinições. É na aproximação a cada um dos diferentes rumos tomados pelo género que Herbert – que conhece bem a história do Jazz - parece buscar a sua inspiração sempre que apresenta um novo álbum, adicionando-lhes a sua electrónica de ritmos minúsculos e “samples” desencantados de onde menos se espera – urnas inclusive –; prática que assim o auxilia na sua reinvenção constante enquanto criador. É claro que, se não fosse a sua genialidade e emotividade enquanto músico, a ideia seria decerto arrasada mesmo antes de tomar forma.
Quem ainda ajuda Herbert na sua investida musical é indubitavelmente a vocalista Dani Siciliano, esta é capaz de surpreender tanto como o artesão musical; oiça-se as novas soluções adoptadas nas vocalizações e pasme-se por ser capaz de apresentar novos registos, nunca explorados até à data; que são tão estimulantes e surpreendentes como aqueles que já lhe conhecíamos. Porém, não é só a voz de Dani Siciliano que é admirável em “Scale”; existem também as brilhantes colaborações de Dave Okumu (dos Jade Fox) e de Neil Thomas; a contribuir no rendilhado de vozes que se cruzam, que se rendem e que cantam em uníssono em grandiosas apoteoses vocais; equiparadas à mestria das prestações dos vocalistas dos Two Banks Of Four.
“Scale” merece ser um objecto de devoção, é imenso em todos os sentidos e uma grande homenagem a todos os envolvidos, assim como ao Jazz electrónico. (9,5/10)

Spot The Frog

2006-07-25T00:18:00.000+01:00

by Mark Heath.

Introducing Spot

2006-07-24T01:09:00.000+01:00

Spot is that most unusual of creatures: a discriminating frog. After living under the stars all his life, he decides to live under a roof. Spot is curious, exuberant and helpful, but sometimes he doesn't see things for what they really are. For him, a sink full of dirty dishes is a pond to splash in, and a lamp is something to bask under.

by Mark Heath.

De Profundis (passagem)

2006-07-23T01:59:00.000+01:00

“Tal como o corpo assimila coisas de toda a natureza – vulgares, poluídas ou purificadas por um padre ou por uma visão – e as converte em destreza ou força, músculo ou suavidade de linhas, curvas e cores do cabelo, dos lábios e dos olhos, assim também a Alma, por sua vez, tem as suas funções assimiladoras e pode transformar em nobres pensamentos e elevadas paixões o que em si mesmo é baixo, cruel e degradante; mais ainda, pode encontrar nestas a maneira mais digna de afirmação. E muitas vezes pode revelar-se a si mesma de um modo mais perfeito através daquilo que estava destinado a destrui-la ou a profaná-la.”

by Oscar Wilde in "De Profundis".

Harmonias

2006-07-21T01:50:00.000+01:00

“The greatest” by Cat Power.

Um álbum com uma canção como “Love & communication” tem todo o direito de se chamar “The greatest”; porém se é devido ao facto de ser o melhor disco da cantora - como afirma a própria e como tem vindo a anunciar a imprensa musical especializada – que lhe foi dado esse nome, isso poder-se-á por em questão. Afinal, a discografia de Cat Power conta com o excelente “Moon pix” e o colossal “You are free”, pelo que desvalorizar essas edições perante a presente não será de todo razoável. Agora, se se quiser, pode-se sim, considerar o álbum mais coerente da discografia da cantora; a primeira audição que se faz a “The greatest” deixa logo transparecer isso. Para além disso transparece ainda a grande particularidade de Cat Power: a de provocar angústia no ouvinte, deixá-lo consumido. É capaz de criar canções que podem conter em si um encanto de tal forma desarmante que atordoam. Tal como já foi capaz de nos fazer sentir assim em canções como “Cross bones style” de “Mon pix” ou “Maybe not” de “You are free”; em “The greatest” isso também acontece quando se ouve “Love & communication”. No entanto o presente álbum não se sustenta apenas na referida canção, pois também se pode ouvir “Hate” que eleva o tom confessional de uma canção a um nível superior, capaz de deixar quem quer que seja sem argumentos quando se ouve “I hate myself and i wanna die”, pela forma magistral de como é cantada e por toda a melancolia que aqueles acordes simples e eficazes encerram; “The Moon”, uma canção fantasmagoricamente envolvente; “Where is my love”, Cat Power mais que nunca em formato de canção clássica; e a magnífica canção que abre o álbum - que também lhe dá nome -, com uma exuberante secção de cordas e com a voz da cantora a pairar sobre ela própria.
Ao ouvir a voz de Cat Power neste disco mais uma vez se fica perplexo, mantém-se com certeza aquela tonalidade quente e envolvente, no entanto sofreu uma permutação; tal como em discos anteriores já tinha acontecido, apresentando assim mais uma possibilidade de como ser excelsa. Nos arranjos musicais a cantora desta vez escolheu a Memphis Rhythm Band para a ajudar; aquilo que era pretendido era criar canções que de facto se aproximassem do formato da estrutura clássica da canção. A escolha foi acertada, afinal aquilo que não falta ao grupo em questão é experiência na composição desse tipo de canções, e assim foi criado um álbum cheio de composições luxuriantes e das mais luminosas que algumas vez ouvimos nos álbuns da cantora. No entanto a luminosidade de “The greatest” não é dada de forma gratuita, ou não fosse Cat Power exemplar na criação de impossibilidades, oferece-se antes a desesperança mascarada de optimismo e o desafio ao ouvinte em aceitar o facto de assim o ser. (9/10)

Earl & Mooch

2006-07-20T01:25:00.000+01:00

by Patrick McDonnell

Leituras entre lençóis

2006-07-19T00:03:00.000+01:00

“Close Range - Brokeback Mountain and other stories” by Annie Proulx

No início chamava-se “Close Range - Wyoming stories”, agora chama-se “Close Range - Brokeback Mountain and other stories”. Annie Proulx estaria longe de imaginar o que apenas um dos seus contos seria capaz de provocar na sua já longa carreira enquanto escritora... que fosse capaz de mudar o título de um dos seus livros, que se tornasse mais conhecida e falada do que nunca e que a fizesse declarar abster-se de alguma vez voltar a falar novamente sobre o conto. O que é certo é que “O segredo de Brokeback Mountain”, o conto, foi capaz de o fazer e embora o livro aonde se insere seja uma obra repleta de personagens em todo comuns às dos nosso vaqueiros Ennis del Mar e Jack Twist, é certo que são apresentadas de forma ostensivamente mais caustica.
São no entanto onze contos excelentes inseridos nesta colectânea, que nos dão a conhecer o inóspito lugar de Wyoming, criando para isso personagens e histórias assumidamente inspiradas naqueles que habitam o lugar, sendo que aqui a ficção por vezes poderá por demasiado aproximar-se da sua realidade no retrato dos grandes espaços desertos, quer da região, quer do interior das personagens... Porém estamos perante ficção, de boa ficção, com a escrita de Proulx a apresenta-se humorística, com uma vertente trágica por vezes declarado, outras das vezes sugerida. (8,5/10)

“O segredo de Brokeback Mountain” by Annie Proulx

Em Portugal, aquando da saída do filme, tivemos então direito à tradução apressada de apenas “O segredo de Brokeback Mountain”, o conto que encerra o livro acima referido... Teria sido o oportunismo comercial que fez com que esta edição fosse lançada no nosso país, contudo ficou anunciado o compromisso que o livro onde consta o conto iria brevemente ser editado na versão portuguesa. Sarcasmos à parte, o conto por si só merece uma análise, visto tratar-se de um texto sublime e dos mais badalados dos últimos tempos.
Será arrogante pensar que os dois labregos retratados no conto fossem incapazes de viver um história tão benevolente como a que se conta. A genialidade do conto não passará por aí, mas sim pela forma como nos apresenta com toda a genuinidade e fulgor aquilo que já não se esperava encontrar nos dias de hoje, uma história de amor em toda a sua glória, criada na base desse género que parece pertencer ao passado, o romantismo; deixando assim o leitor inesperadamente arrebatado na eloquência emanada do conto quando a retórica do género se esperava estar porventura esmorecida ou gasta.
Em termos de estrutura narrativa é curioso observar que “Brokeback Moutain” tem grandes afinidades com o seu oposto em trâmites sociais “Reviver o passado em Brideshead” – o clássico de Evelyn Waugh – no entanto o conto apresenta com todo o ânimo a gloriosa despedida de ambos os vaqueiros (sem que estes o soubessem), sustida na evocação de um dos momentos mais carinhosos do passado de ambos os jovens.
Uma história como a que o conto conta tem tudo o que é necessário para desencadear as reacções que obteve, sustentada em motivos convincentes ao contrário de muitos logrados best-sellers.
Quando algo é grandioso não deve passar desapercebido. (10/10)

“Bad Dirt - Wyoming stories 2” by Annie Proulx

Após o bem recebido conjunto de contos de “Close Range - Brokeback Mountain and other stories” foi-se então ao baú tentar desencantar outras relíquias para que fosse editado a sequela directa dessas histórias de Wyoming... E assim obteve-se o número suficientes de contos para editar “Bad Dirt - Wyoming stories 2”. Buscaram-se essas histórias em várias publicações, Playboy inclusive, e aquilo que poderia ser um disperso e desconexo conjunto de textos acaba por resultar numa compilação tão convincente como a primeira série de contos.
"Bad Dirt" chega até a ser mais bem conseguido em relação ao seu predecessor na sagacidade com que é utilizado o humor sórdido da autora nos contos; assim como na sugestão das imagens, não só por se apresentarem contos mais gráficos como se apresentar uma maior diversidade da vastíssima área de Wyomming. (9/10)

“Close Range” e “Bad Dirt” explicam o porque de Annie Proulx ser tão bem conceituada nos dias que correm, e poderão ser uma boa primeira aproximação a fazer à escritora, e se se ficar contagiado com a sua escrita, haverá ainda mais para descobrir...

Urbano (passagem)

2006-07-15T05:20:00.000+01:00

Apercebe-se da inércia que o rodeia... Invade-o uma sensação de impotência que o deixa sem ar... Tem que forçar a respiração para recuperar o fôlego. Olha à sua volta e sente uma sensação de claustrofobia imensa. A tristeza que se apodera dele provoca-lhe uma cedência no estômago. Não entende claramente a razão de se sentir assim, mas quase que a explica nas possibilidades que lhe são sugeridas, pelo espírito preso no seu corpo, daquilo que o mundo não o é... este, que o envolve, não tem a capacidade de mudar, vê-lo demasiado preocupado com detalhes... é pequeno, demasiado terreno e as possibilidades demasiado vastas.

in "Urbano" by JGSC aka Gil.

avião

2006-07-14T01:35:00.000+01:00

envolto num lençol de cal duas cintilações
sobre as pálpebras húmidas e um ardor perfura
a noite onde uma ponte atravessa um rio

o voo é demorado
ficaste a saber que nem deus é eterno
desfez-se no erro daquilo que criou perdeu-se
nas suas imperfeições e certezas

agora
pela janela do avião vês como tudo é mínimo
lá em baixo – quando a oriente da loucura
a mão cinzenta do inverno perdura no rosto
daqueles que sonolentos viajam dentro
deste pequeno túmulo de serenidade

by Al Berto in “Horto de incêndio”

Calvin & Hobbes

2006-07-13T03:10:00.000+01:00

by Bill Watterson

Harmonias

2006-07-12T01:34:00.000+01:00

“Fox confessor brings the flood” by Neko Case.

É certo que existem os álbuns anteriores da cantora e compositora Neko Case; mas quem, à parte deles, teve a oportunidade de ouvir a sua voz em “Getting Made” - canção perfeita incluída no magnífico álbum “Still loking good to me” de The Band Of Blacky Ranchette -, ficou decerto com a ideia daquilo que a voz desta senhora é capaz de proporcionar. E aquilo que a voz desta senhora, nos seus momentos (mais que) perfeitos, pode proporcionar no ouvinte é o despertar da consciência da imensidão, vasta, vasta, vasta... e épica da vida. Em “Fox confessor brings the flood” isso acontece várias vezes; o que, para tormento do ouvinte, o fará ouvir repetidamente as belas canções contidas no álbum, não o deixando sossegando enquanto não fizer uma nova audição. Oiça-se com a devida atenção - e com predisposição para tal - “Star witness”, “Hold on, hold on”, “Fox Confessor Brings The Flood”, “Dirty knife” ou “Maybe Sparrow” para exemplificar (não negligenciando no entanto a descoberta das restantes canções pois todas elas merecem a devida atenção).
Em “Fox confessor brings the flood” a voz de Neko Case está por tudo quanto é sítio, e ainda bem. Ainda bem pois não é todos os dias que se ouve uma voz tão límpida, cristalina e preciosa; acima de tudo perfeita nas variações que vai fazendo ora em crescendos seguros, ora em pausas e variações precisas. Será então por isso que os instrumentais são postos em segundo plano (excepção justa para “Dirty Knife”), porém em nada descurados devido a esse facto; até porque quem se pode encontrar nas composições dos arranjos são músicos de calibre, com provas mais que dadas do seu talento. Pode-se descobrir nos arranjos, entre outros, Joey Burns e John Convertino dos Calexico ou Howe Gelb (com uma vasta carreira construída tanto em nome próprio como nos vastos projectos criados ao longo dos anos tais como Giant Sand, Op 8 ou The Band Of Blacky Ranchette; e que este ano também já lançou mais um belo álbum em nome próprio: “'Sno Angel Like You”). De resto, já ao longo de vários anos que todos estes músicos vão participando nos álbuns uns dos outros, daí não ser uma surpresa que participem no presente álbum; ajudando a criar um misto sonoro de elementos extraídos da história da música Americana e de elementos Indie, cruzados com grande sensibilidade, o que torna esta música em conjunto com as letras e voz de Neko Case, na sua qualidade e nas soluções adoptadas, imprecisa no tempo... não se trata de música de ontem, de hoje ou de amanhã; é música de sempre. (9/10)

De Regresso

2006-07-10T02:54:00.000+01:00

O "Blue Red and Dark" está de volta. Foram muitos os motivos que me levaram a estar afastado deste recanto que tanto prezo, no entanto estou de regresso; desta vez para ficar.
Com este retorno foi criado o "Blue Red and Dark Rotation" aonde estará em relevo a passagem de música, e que será intensamente actualizado.

Bem vindos de novo.

Soundtrack

2006-02-28T15:09:00.000Z

"Brokeback Mountain - Original motion picture soundtrack" by Gustavo Santaolalla.

A sequência de canções apresentada na banda sonora do filme “Brokeback Mountain”, a cargo de Gustavo Santaolalla, em nada evoca a estrutura narrativa do filme, o que pode fazer torcer o nariz aos ouvintes que defendem que o objectivo das bandas sonoras deve ser esse. De facto, não deixa de ser estranho quando se entra em contacto com a sequência escolhida, visto que a evocação de sentimentos que no filme seguem uma sequência lógica surgem desta feita dispersos e desconexos à memória. O problema é no entanto facilmente resolvido com uma programação ao leitor de cd’s que siga a sequência que se ouve no filme, e que ignore a música “I will never let you go” com a prestação vocal de Jackie Green (que não deve ser ignorada noutro tipo de audições), que não se ouve no filme; e que pode ainda ignorar a versão de “King of the road”, original de Roger Miller, aqui interpretada por Teddy Thompson & Rufus Wainwright, e que não é a versão que aparece no filme. E já que se fala em Rufus Wainwright aproveita-se para se referir a estranha escolha (e insistência) do cantor nesta banda sonora; tanto foi estranho aquando da apresentação dos créditos finais ouvir “The maker makes”, como no disco deparamo-nos novamente com ele na referida versão; o artificialismo barroco das suas prestações vocais em nada vai de encontro à pureza, simplicidade e emotividade evocada por excelência no filme e na banda sonora (é claro que o facto de ser um cantor homossexual assumido, com um reconhecimento e aceitação considerável por parte do “mainstream”, pode ter influenciado a inconsequente escolha).
Visto que a banda sonora em questão não tem portanto a função primordial de evocar uma estrutura previamente considerada, espera-se então que ela consiga viver e respirar de forma independente do filme. Isso sim, é conseguido. Trata-se de um belo conjunto de canções, harmoniosamente compostas na sua grande maioria por Gustavo Santaolalla, compositor que fez uma escolha refinada de músicos (de interesse) da música Country para as vocalizar. Em “That never grow old”, onde se ouve uma grande prestação vocal de Emmylou Harris, e em “No one’s gonna love you like me”, com voz de Mary McBride, fala-se de amor; do amor romântico como sendo o único possível, o único com significado. Em “The Devil’s right hand”, onde se ouve Steve Earle, “It´s so easy”, de Linda Ronstadt, e em “An Angel went up in flames”, interpretado por The Gas Band, deixa-se vir ao de cima a euforia hormonal temperada com uma ingénua emotividade infantil. Há ainda tanto o magnífico “score” como a bela versão de “He was a friend of mine” de Bob Dylan, aqui vocalizada por Willie Nelson, que evoca serenamente o destino dos dois vaqueiros da história.
A presente banda sonora trata-se assim de um bom meio para se entrar em contacto com alguns dos brilhantes músicos que se inserem num género que é por excelência olhado de soslaio pela comunidade urbana, que pode agora aproveitar para se desenvencilhar desse ridículo preconceito. (8/10)

Arte que alcançou o 7º lugar

2006-02-22T16:46:00.000Z

Aquando da análise de uma obra por parte de um crítico convém que o faça de modo a conseguir expor lucidamente e ludicamente, aquilo que a obra pode representar. Ou seja, tenta-se explicar, dentro do possível, o motor impulsionador de uma possível e vasta abordagem de sentimentos que podem ser despoletados; não descartando nunca a hipótese da obtusidade de espírito em que o crítico se pode encontrar nas primeiras vezes que entra em contacto com a obra, o que neste caso acaba por em nada a engrandecer. No entanto quando a obra é capaz de devolver logo à partida, de forma intensa, aquilo que se diz que é capaz de provocar, aí a análise é por excelência mais emocionada, mais empenhada; pois o entusiasmo é por excelência superior. Esta breve explicação serve para, em parte, explicar a forma de como em seguida se fala da experiência tida com o filme “Brokeback Mountain”, pois o escriba deste texto foi trespassado de todo pelo dito filme, e a única abordagem que lhe resta é a de o criticar como um dos melhores filmes que já viu.

"Brokeback Mountain" by Ang Lee.

Tudo no filme parece merecer os parabéns e o facto de se integrar no género mais que formatado do drama/romântico (“rótulo” que lhe fica melhor que “Western Gay”) em nada prejudica a sua visualização, pois a sensibilidade com que é retratada a história apenas engrandece o género e faz dele, de novo, uma possível abordagem nobre, épica e emocional; com a capacidade de edificar um monumento ao amor.

Dê-se então mais concretamente os parabéns a quem os merece. Para começar eles vão para Annie Proulx (vencedora de um prémio Pulitzer pelo livro “The Shipping News”, também já adaptado para o cinema), que num conto escrito para a revista New Yorker, condensou em algumas páginas uma história de amor, iniciada em 1963, e que durou cerca de vinte anos, de dois vaqueiros de Wyoming; abalando assim todo o mito que sustenta o “Marlboro Man” na sua heterossexualidade irredutível.
O conto é posteriormente adaptado por Larry McMurtry e Diana Ossana, também eles de parabéns, no argumento que sustenta o filme; argumento esse que não necessita de mais nada, e de nada se lhe tirar também, e que retrata exemplarmente a relação dos vaqueiros em questão, Ennis del Mar e Jack Twist, que após terem passado uma temporada no sítio de Brokeback Mountain e após seguirem em separado as suas vidas, são impulsionados por algo que não controlam a encontrar-se irremediavelmente, de forma pontual, durante os tais vinte anos. Esses vintes anos são preenchidos pelo vazio de outras relações (que embora possam também elas ter o seu brilho particular, são sempre ofuscadas por aquela em que os dois vaqueiros se envolveram). Assim, ambos os vaqueiros constroem uma família, que no caso de Ennis del Mar é feito de acordo com as suas convicções, daí a grandiosidade do amor paternal ser tão evidente neste caso, e que no caso de Jack Twist é simplesmente por uma acaso do destino e devido às circunstâncias de viver numa época conservadora. É também toda uma geração conservadora que é exposta neste argumento, por excelência incapaz de compreensão perante a relação dos dois jovens, devido aos valores familiares considerados de então; sendo assim alvo de uma crítica mordaz, feita no entanto de forma lúcida, sem julgar explicitamente, daí que paire também por ali a tentativa de compreensão do incompreensível; sendo que os escassos minutos suportados na recta final do filme pelos pais de Jack Twist, condensam em si toda essa diversidade de sentimentos que toda a geração em causa pode sentir.

Antes de se passar a falar do desempenho dos actores dá-se ainda os parabéns à fábrica de filmes de Hollywood que, finalmente, parece estar a perder o pudor e o receio de abalar os alicerces de uma América conservadora, tal como o bom cinema Americano independente tem vindo a fazer desde sempre, e financiou o realizador Ang Lee com uma quantia considerável de alguns milhões de dólares (13 para se ser mais concreto) para poder pegar nesse argumento e realizar este magnífico filme.

Jake Gyllenhaal

Uma mais valia do filme é então o desempenho dos actores secundários, nunca sobressaindo em relação aos protagonistas, pois não são eles o centro das atenções, mas que o poderiam ter sido se a actuação dos actores principais falhasse. Não é o caso, mas também eles merecem os parabéns, pois em “Brokeback Mountain” todos os actores estão embutidos da arte de bem representar, possuindo a intensidade de representação que lhes é requerida para cada uma das situações em que se encontram.
E claro, sendo Jake Gyllenhaal e o australiano Heath Ledger quem desempenham impecavelmente os papéis principais, o centro das atenções vai em grande parte para eles, principalmente quando empenho do último tem a capacidade de criar um dos maiores ícones românticos do cinema. Gyllenhaal e Ledger são dois dos jovens actores “bonitos” de uma Hollywood, que tem explorado o segundo de forma bastante inconsequente, que vêm agora, mais que nunca (mesmo que Gyllenhaal tivesse sido a figura central de Donnie Darko), todas as atenções viradas para eles com toda a razão de assim o ser. Para começar a beleza física de ambos é um meio de fazer o espectador sentir-se atraído pelas personagens, sendo constantemente confrontado com uma sensualidade gratificante. Depois é vê-los a desempenhar exemplarmente grandes interpretações quando confrontados com personagens que vivem uma relação isolada do resto do mundo, vê-los incrivelmente vulneráveis a desafiar todos os cânones impostos pela sociedade; e simultaneamente vê-los a mover-se num quotidiano vivido de acordo com as convicções de cada uma das personagens. Muito bem rapazes, estão de muitos parabéns…

Heath Ledger

Como não poderia deixar de ser os parabéns finais vão para o realizador Ang Lee. As questões técnicas de enquadramento das personagens no meio em que se movem, é feito perfeitamente, assim como a filmagem dos planos que espelham a grandiosidade da paisagem que serve de pano de fundo. Realce ainda para o jogo de luz utilizado, resultando numa técnica eficaz para apenas se mostrar o que é essencial. E mostrar o essencial, sem uma visão moralista, é de facto aquilo que melhor fez o realizador, não caindo em sentimentalismos desmesurados desnecessários. Filmou com maturidade invejável, capaz de desligar o espectador da sua vida terrena para lhe proporcionar uma experiência de grandiosidade superior; confrontando-o com a questão de que quando se vive uma história como a retratada, é-se capaz de elevar o espírito a um conforto tal que toda uma vida parece encontrar justificação na vivência de algo de tal modo arrebatador e comovente. (10/10)

Ang Lee

[TRAILER]

[Clip: Is Alma Here?]

[Clip: You Know That Girl?]

[Clip: You Dont Go There To Fish]

Leituras entre lençóis

2006-01-21T16:26:00.000Z

“Dias Exemplares” by Michael Cunningham.

Após o inteligente romance “As Horas” – justamente aclamado pela crítica literária – e vários anos de expectativa pelo próximo tomo de Michael Cunningham, eis que finalmente ele surge, para se juntar à obra de um dos melhores escritores americanos da actualidade.
Constituído por três histórias, cada uma delas pertencente a um género literário específico – “Dentro da máquina”, um conto gótico; “A cruzada das crianças”, um “triller”; e “Uma espécie de beleza”, um conto de ficção científica –, “Dias exemplares” serve-se delas para apresentar sob diferentes perspectivas a mesma mensagem: uma América que está longe de ser aquela que foi sonhada; sendo antes um lugar desencantado, povoado por personagens excepcionais, que à sombra da poesia de Walt Whitman, são movidas por aquilo que o próprio poeta defendia: a celebração da vida tal qual ela se apresenta.
Algumas das características que povoam os anteriores romances de Michael Cunningham encontram-se também presentes em “Dias exemplares”: uma delas será a homenagem da cidade de Nova Iorque, agora feita de forma mais explícita. No entanto será a subversão dos géneros, assim como a sensibilidade do escritor para criar anti-heróis com grandiosidade épica (embora desta vez essa capacidade pereça estar um pouco mais esmorecida), que permitem identificar melhor a sua escrita. Essas características servirão ainda de motivos impulsionadores suficientes para nos dedicarmos à leitura do livro; porém, quando esta termina, a sensação de que elas já foram utilizadas de forma mais inspirada parece revelar-se. Pode-se então questionar se estamos perante um exercício de estilo do escritor… Podemos estar, será uma hipótese válida, e colocá-la de lado não seria de todo sensato; mas a capacidade que têm as personagens, que povoam os livros de Cunnigham, de surpreender será sempre gratificante, por encerrarem uma dimensão humana assombrosa, o que, por si só, provoca o apego a cada uma das obras do autor. (7,5/10)

Michael Cunningham, photo by Heather Conley.

Reedições (03) / the_end

2006-01-21T16:14:00.000Z

“Pearl – Legacy Edition” by Janis Joplin

Os anos 60 do século XX provavelmente não teriam sido tão excitantes sem o aparecimento de alguns dos ícones que perpetuam a sua popularidade até aos dias de hoje, e com certeza que não teriam sido tão interessantes sem Janis Joplin, uma das maiores vozes de sempre dos Blues e do Rock’n’roll.
“Pearl”, o álbum póstumo de Janis Joplin, que é ainda o seu mais conhecido, é agora novamente editado, desta vez numa magnífica edição, servindo de pretexto para celebrar tanto os 35 anos decorridos desde a sua edição original, como para prestar uma homenagem digna passados outros tantos anos da morte da cantora.
Não deixa de ser perturbante verificar que o trágico acontecimento que levou ao desaparecimento da Janis Joplin (uma overdose de heroína) culminou com um dos momentos mais altos da sua carreira. Janis encontrava-se em plena forma artística e vocal, como se pode verificar aquando da audição das músicas que compõem o álbum; músicas essas que se encontram entranhadas por uma honestidade desarmante e cantadas de forma magistral.
A presente edição para além do álbum original trás ainda consigo algumas canções nunca antes editadas (uma das quais especialmente concebida para John Lennon), algumas versões novas e um magnífico disco ao vivo, gravado numa digressão feita no Canadá, no ano de 1970 – onde somos confrontados com uma cantora primorosamente provocante e cheia de recursos. Tudo isso encerrado num cuidado “digipack”, que traz consigo um “booklet” onde se pode encontrar um informativo e íntimo relato de John Byrne Cooke, um amigo próximo da cantora, com quem ela trabalhou.
Motivos de interesse não faltam para dedicar atenção a esta edição de “Pearl”… E a primeira estrela feminina a brilhar no universo dos Blues e Rock’n’Roll merece toda a dedicação. (10/10)

Impressionou (09) / the_end

2005-12-26T15:10:00.000Z

“Tender Buttons” by Broadcast

Dado o seu empenho em explorar a estética dos anos 60, com o propósito de a tornar contemporânea; os Ingleses Broadcast têm, muitas das vezes, visto as suas obras comparadas com as dos seus conterrâneos Stereolab. Essa comparação, para além de simplista, é indubitavelmente redutora; talvez por isso o talento do grupo seja muitas das vezes ignorado, o que dificulta o reconhecimento de um legado que até à data não conheceu um mau momento.
Depois de editarem uma compilação - “Work and Non Work” (1997) –, dois álbuns - “The Noise Made By People” (2000) e “HA HA Sound” (2003) –, uma série de Ep's e “singles” (com magníficos “b sides”); os Broadcast dão a conhecer “Tender Buttons”, que mostra uma vez mais um grupo em plena forma, independentemente do facto de agora se encontrar reduzido a dois elementos.
A estética dos anos 60 continua presente, no entanto, em “Tender Buttons”, não é vital, contrariamente aos seus antecessores. O que também não vai de encontro ao que o grupo produziu até à data são as estruturas instrumentais, que agora se apresentam menos complexas (porém continuam embutidas de grande originalidade e de diversidade sonora), o que permite facilmente ao ouvinte tornar-se confidente das belas melodias vocais de Trish Keenan. E o grau de intimidade pode ir ainda mais longe quando se presta atenção às letras que abrangem uma série de temas muito pessoais.
Com este álbum os Broadcast vão de encontro ao essencial da sua música, não deixando que a sua noção estética se imponha, deixam antes que ela se revele. (9/10)

das festas...

2005-12-25T16:18:00.000Z

...ou a vontade de empacotar todos os moribundos institucionais que ainda respiram, para não mais os desembrulhar:

« a arte transformou-se, claramente, numa forma de pensamento. quem quiser diversão, que vá à feira popular; quem quiser passar um bom bocado, que ligue aos amigos; quem quiser esquecer os problemas lá fora, que consulte um psiquiatra. »

in "Dogma 2005", 16.11.2005

Rogério Nuno Costa deseja a todos os artistas portugueses um ano de 2006 cheio de intervenções revolucionárias à la nouveau siècle, manifestações apocalípticas em frente às portas dos competentes e muitas, muitas cartas de demissão.

War & Hate!

Rogério Nuno Costa

(Não resisti em publicar este e-mail de boas festas que recebi do Rogério Nuno Costa. Deixo ainda o convite para visitarem o seu blog.)

2005-12-24T00:05:00.000Z

FELIZ NATAL ;)

Impressionou (08)

2005-12-15T17:31:00.000Z

"Explode" by AGF/Delay

“Explode” pode muito bem ser um diário urbano contemporâneo. AGF/Delay propõem um álbum humano, recheado de ritmos hipnóticos trespassados por inspirada poesia urbana, que resulta numa tocante obra de “spoken word”.
Induzida pelo estado actual da sociedade, como que querendo alertar para um certo conformismo instaurado no seu seio; AGF murmura histórias diversas, sendo a faixa “Explode baby” - que retrata o trágico acontecimento de uma mulher desesperada que se faz explodir - capaz de demonstrar o alcance que as suas letras conseguem atingir.
Delay deixa pulsar ritmos depurados, simples (sem serem simplistas), intensos; que sobrepõem melodias subtis e envolventes, que se descobrem e apreciam em cada nova audição que se faz de uma faixa.
É certo que a música electrónica actualmente não tem a sua reputação no auge, porém continuam-se a produzir obras notáveis no seu domínio, sendo “Explode” um bom exemplo disso. (9/10)

Reedições (02)

2005-12-13T14:44:00.000Z

"Horses/Horses - Legacy Edition" by Patti Smith

Existem determinados álbuns que são incontornáveis na história da música, que conseguem alcançar um estatuto tão grande (ou maior) que o do próprio criador, sendo a sua restante obra, independentemente da qualidade, por vezes descurada. No caso de “Horses” (1975) de Patti Smith (também poeta e activista) pode ser questionável se este é ou não o seu melhor álbum mas é certamente aquele que reúne maior consenso em toda a crítica musical mundial que se preze - que sempre o apresentará como uma das peças essenciais da música popular em qualquer lista que tente reunir os melhores álbuns de sempre. Certamente que isso não será por acaso: Patti Smith chamou a atenção para si e para o seu disco de estreia por ter sido a primeira mulher a infiltrar-se e a impor-se no universo Punk, adoptando uma postura masculina, rude, que não encaixava em nenhum modelo feminino da altura – a capa do álbum, uma fotografia de Robert Mapplethorpe, que viria a tornar-se tão popular quanto o álbum, é bem representativa disso.
Falar do álbum em si numa altura como esta pode tornar-se numa tarefa inútil, é praticamente garantido que é um dos que mais arrecadou críticas favoráveis e entusiastas em seu redor, as quais são justificáveis pela sua audição. No entanto a presente reedição vai mais além, oferece uma dose dupla de “Horses” - o primeiro disco contém o álbum original, o segundo tem uma versão ao vivo do primeiro. E é justamente o segundo que vem adicionar um carácter mais intimista às canções de estúdio, e defende novamente o porque de tanto entusiasmo em torno da obra: um dos maiores desafios de qualquer músico é o seu desempenho em concerto, o de apresentar ao vivo aquilo que criou; pois será aí que a legitimidade do artista atinge o seu auge se ele for capaz de se expressar com intensidade igual ou superior àquela que se espera dele. Se isso suceder então estamos perante uma experiência inesquecível... e é justamente isso que acontece aqui.
Caso ainda não se tenha, aqui está uma excelente oportunidade para deitar as mãos a “Horses”; se já se tiver pondere-se então substitui-lo, pois valerá a pena. (10/10)

Impressionou (07)

2005-12-11T21:31:00.000Z

"Uumen" by Kimmo Pohjonen & Eric Echampard

Tal como já no tem vindo a habituar Kimmo Pohjonen dá a conhecer mais um excelente trabalho, que sucede as obras-primas “Kalmuk” (2000) e “Kluster” (2003), e antecede o interessante “8 Armed Monkey” - também lançado em 2005. Em “Uumen” faz-se acompanhar por Eric Echampard, um baterista jazz, que, com o seu talento, usa a bateria para confrontar e desafiar o acordeão deste vanguardista finlandês.
Quando se termina a audição de do disco, que convém que seja feita com o volume no máximo, é necessário recuperar o fôlego; não é propriamente fácil assimilar de uma só vez a beleza do universo que a obra encerra no seu todo. Assiste-se a uma autêntica luta monumental de gigantes durante 50 minutos; onde se ouvem apenas um acordeão, uma bateria e uma voz a emitir sons estranhos. O acordeão capaz de desnortear o ouvinte, apresenta uma série de melodias peculiares, desencantadas dos cantos mais recônditos do cérebro do autor, sendo constantemente atiçado pelos ritmos esquizofrénicos da bateria.
A recriação continua a ser uma máxima de Kimmo Pohjonen. Com esta obra consegue uma vez mais surpreender, apresentando um resultado que nunca antes fora tão cru graças à intervenção de Eric Echampard. Continua aqui o gosto pela experimentação e a conseguir-se apresentar obras de qualidade superior, daquelas que só um génio é capaz de conceber – e que não deixam o ouvinte sair imune da sua audição. (9/10)

Les Inrockuptibles Hors Série

2005-12-11T02:04:00.000Z

A prestigiada revista cultural francesa “Les Inrockuptibles” apresenta já neste mês a escolha feita dos 50 melhores discos de 2005 - que no entanto acaba por ser estendida até aos 100.
Trata-se de uma edição especial, inserida na “Hors Série” (uma série de edições muito cuidadas que esta publicação lança no mercado), que para além da referida lista traz ainda muitas outras, dedicadas a reedições, a singles ou a DVD’s; e ainda uma excelente entrevista com os The Arcade Fire assim como bastante informação útil sobre aquilo que foi o quase findo presente ano musical. Os dez melhores eleitos são os seguintes:

01 - “Funeral” by The Arcade Fire
02 – “Come On Feel The Illinoise” by Sufjan Stevens
03 – “Demon Days” by Gorillaz
04 – “You Could Have It So Much Better” by Franz Ferdinand
05 – “LCD Soundsystem” by LCD Soundsystem
06 – “Silent Alarm” by Bloc Party
07 – “I Am A Bird Now” by Antony And The Johnsons
08 – “Le Fil” by Camille
09 – “Late Registration” by Kanye West
10 – “Lullabies To Paralyze” by The Queens Of The Stone Age

Podemos ainda encontrar no Top 50:

20 – “Get Behind Me Satan” by The White Stripes
38 – “No Wow” by The Kills
39 – “Tender Buttons” by Broadcast
44 – “Axes” by Electrelane

Na secção das reedições encontramos em primeiro lugar os The Cure com “Seventeen Seconds", "Faith" e "Pornography" - Deluxe Editions -; e em oitavo Sonic Youth com “Goo - Deluxe Edition”.

Há muito mais para descobrir, incluindo um CD. A não perder.

Impressionou (06)

2005-12-08T15:58:00.000Z

"Notes on Love" by Petra Jean Phillipson

Deu nas vistas com o irrepreensível tema “Sugarman”, extraído de “David Holmes Presents the Free Association”, em 2003. Petra Jean Phillipson, nesse entusiasmante disco assume um papel que embora seja vital não o é fulcral, uma vez estavamos perante um colectivo em pleno estado de graça, aonde não se deixou grande espaço para protagonismos individuais. Porém sentiu-se um pouco a frustração de não ouvir mais vezes a voz desta cantora. Assim, quando foi anunciado o lançamento do seu primeiro álbum a solo recebeu-se a notícia com grande entusiasmo e expectativa. E ele aí está, pronto para ser ouvido com a maior das dedicações.
“Notes on Love” contém um conjunto de características que permitem que cada uma das suas canções se acomode quase de imediato no cérebro do ouvinte. Essas características podem ser familiares pois são herdadas de uma série de grandes músicos que se revelaram ao mundo a partir cidade de Bristol na década de 90 (Portishead sobretudo), e Petra Jean deixa impregnado na obra o entendimento que fez delas; não no sentido de forjar fórmulas, mas sim, no sentido de ter entendido como pode expressar-se artisticamente. Será por isso que na audição do disco se estranhe encontrar esse grau de familiaridade justamente na linguagem que maioritariamente se utiliza: a Folk, revelando assim uma nova alternativa para produzir belas músicas dentro do género.
Outro aspecto de interesse são as letras que, impregnadas de sensibilidade poética, expõem sem receio nem pudor o que há para dizer, “I want to squeeze a man till he was dead / I want to float above the bed when I have sex / I want to taste the milk of human kindness”, pode ser um bom exemplo demonstrativo.
Finalmente temos a voz; a voz que agora se pode ouvir ao longo de onze canções (e ainda num curto devaneio escondido no final); uma voz que também evoca várias referencias mas que acaba por se revelar única, bela, confidente, sensual e acolhedora; que pode transformar-se num autêntico vício.
Aqui temos um precioso primeiro álbum, um diamante em bruto, onde Petra Jean sem comoção desvairada expõe-se, levando-nos a fazer uma viagem intimista onde a fragilidade e a força se diluem uma na outra. (9,5/10)

BLINKS - Música

2005-12-07T14:50:00.000Z

Como é habitual nesta época, qualquer que seja o melómano, ele começará a reflectir sobre as suas listas das melhores obras que lhe apareceram à frente ao longo do ano; tal como acontece com os aficionados em cinema, literatura ou noutra arte. É o que está a acontecer aqui no “BLUE RED AND DARK”, será o que vai acontecer em muitos outros blogs dedicados aos temas referidos.
Para quem já conhece este blog sabe perfeitamente que não se restringe exclusivamente à música, no entanto ela vai tendo um grande destaque por aqui e devido a isso, para já, o realce é dado aos melhores do ano nesta área. Como é lógico tratam-se sempre de listas muito subjectivas, no entanto, quanto a esse assunto será publicado um texto com algumas reflexões.
Assim, no âmbito desta edição especial, fica aqui um destaque a alguns blogs que seguem atentamente, com espírito crítico, o que se vai produzido na área da música e que certamente também irão apresentar em breve as suas listas e convidar os seus leitores a fazerem o mesmo. Isso porque parte da excitação estará sempre na descoberta de algo gratificante no meio de tanta oferta, e os críticos sabem isso melhor que ninguém.

.....::::: r.b.S :::::.....
big black boat
coisas do puto e do tipo

Impressionou (05)

2005-12-02T17:06:00.000Z

"The Woods" by Sleater-Kinney

Não conquistou à primeira, nem sequer à segunda audição, se bem que “The Woods” de Sleater-Kinney revelava aos poucos e poucos uma série de elementos que faziam com que a audição se fizesse uma vez mais. E as audições foram-se fazendo uma após outra até que se conseguiu, por fim, ter uma percepção global da obra e chegar-se à conclusão que um dos álbuns mais honestos de 2005, dentro do universo exclusivo do Rock, dá-se a revelar dessa forma. Com Rock sem “N’Roll”, guitarras sem açúcar e uma bateria crua e imparável; o trabalho reúne em si toda a rudeza dos instrumentais que podem caracterizar o género, intercalados com a sensibilidade das vocalizações dos três elementos que constituem o grupo, Carrie Brownstein, Janet Weiss e Corin Tucker, que com grande precisão demonstram a sua versatilidade nesse campo. E tudo culmina num desfecho desconcertante graças à vulnerabilidade e lucidez da canção que encerra o álbum.
A carreira de Sleater-Kinney já vai longa, nota-se um “saber fazer” acumulado, com a experiência apreendida, na feitura desta obra (a sétima do grupo). Assim sendo confie-se nelas, ponha-se uma venda nos olhos e corra-se em direcção a uma floresta numa noite fria de Inverno; em quantos mais obstáculos embatermos, continuando sempre persistentes no objectivo de nos entranharmos cada vez mais no seu seio, com a convicção de encontrar algo precioso; mais próximo se ficará do universo que este álbum encerra. (8,5/10)

Impressionou (04)

2005-11-30T21:22:00.000Z

“Funeral” by Arcade Fire

Lançado nos EUA em finais de 2004, “Funeral” chega ao mercado europeu apenas em 2005 e trata-se de uma das melhores surpresas (se não mesmo a melhor) no seio do Rock alternativo.
Os canadianos Arcade Fire decidem inquietar-nos com a morte a partir do ponto de vista da adolescência, num álbum conceptual que não se deixa cair na armadilha de se tornar pretensioso. Os fantasmas dos familiares dos elementos da banda são convidados a juntarem-se a uma festa que celebra a vida de forma intensa e apaixonada.
E é com um festejo memorável com que se é presenteado. Durante a audição do disco encontramos doses equilibradas de ambientes góticos, energias pertencentes ao universo Rock ou charmes da “Chanson Française”. Dessa junção surgem canções com um brilho que é raro encontrarem-se, que surpreendem pela novidade que os acordes assombrados revelam.
“Funeral” merece todo o entusiasmo com que foi recebido, e com que se pode falar dele; não é frequente encontrar obras discográficas com tal genialidade, constituídas no seu todo por grandiosas e belas canções. (9,5/10)

Impressionou (03)

2005-11-30T19:55:00.000Z

"RUBY BLUE" by RÓISÍN MURPHY

Róisin Murphy encontra, definitivamente, o espaço ideal para deambular a sua voz e para explorar as suas capacidades enquanto cantora. Esse espaço, constituído por electrónicas minimais, trejeitos Jazz e por “samples” de tudo aquilo que possa produzir som (folhas de jornal incluídas), de Herbert – o cúmplice resgatado para ajudar a criar o álbum -; alberga ainda o melhor das composições que tão bem caracterizam os Moloko, banda a que pertence(u) a vocalista.
Róisin Murphy demonstra ser possuidora de uma voz distinta, que consegue moldar impecavelmente em diversas dimensões, sendo capaz lhe empregar uma teatralidade muito pessoal. Herbert, para além do poder inventivo naquilo que diz respeito às escolas dançantes, mostra uma vez mais ser possuidor do dom de saber realçar a essência e potencialidade das vozes das cantoras com quem tem vindo a trabalhar (pode-se constatar isso na audição de “Vespertine” de Björk ou em “Likes...” de Dani Siciliano). Encontramo-nos assim perante uma junção feliz de talentos, que têm a capacidade de não se anularem um ao outro, revelando um conjunto de canções impregnadas de nostalgia, melancolia, sensualidade e temperamento.
Quem também quis deixar a sua marca na obra foi o artista plástico inglês Simon Henwood, que se disponibilizou para conceber os elementos visuais do álbum.
“Ruby Blue” ostenta deste modo uma das mais deslumbrantes estreias a solo deste ano. (9/10)

Reedições (01)

2005-11-27T23:34:00.000Z

“Goo – Deluxe Edition” by Sonic Youth

Será difícil seleccionar qual o melhor álbum da carreira dos Sonic Youth, com obras como ”Evol” (1986), “Goo” (1990) ou “Dirty” (1992 – que também já teve direito a uma magnífica reedição) a tarefa tornar-se-á complicada. No entanto também não temos de o fazer e o melhor será mesmo desfrutar o trabalho deveras significativo que o grupo produziu, um dos mais marcantes do movimento “No Wave”. No entanto isso será uma “caixinha” demasiado pequena para colocar toda uma obra que é um colossal contributo para a música no geral.
Com uma autonomia total sobre o acto criativo os Sonic Youth sempre estiveram numa posição privilegiada em relação aos seus contemporâneos, dando a conhecer trabalhos de qualidade invejável, e se bem que muitas das vezes acariciam a pop, nunca o fazem sem descartar o carisma característico dos seus elementos, e não se inibem ainda de criar peças mais experimentais, de grande liberdade artística, que resultam numa mescla sonora que pode soar estranha ao ouvido mais conhecedor e atento daquilo que se pode encontrar no universo da música dita alternativa.
Dito o anterior, a reedição de “Goo” no presente ano, agora em edição de luxo, não deve ser descurada, pois para além de conter todo o notável álbum original, remasterizado, podem-se ainda encontrar todos os “B sides”, novas misturas e originais que pertencem ao universo de “Goo”; todos reunidos numa mesma embalagem (uma belo “digipak” desdobrável que contém ainda um “booklet” com informação útil sobre esta fase da carreira da banda).
É admirável constatar como canções como “Dirty Boots”, “Tunic (Song For Karen)”, “Kool Thing” ou “Mote” continuam a ser capazes de entusiasmar e de não denunciar um resquício de passagem do tempo sobre elas, isso só para dar alguns exemplos pois todo o conjunto trata-se de um autentico clássico intemporal. (10/10)

Sonic Youth at "Webster Hall", photo by Alyssa Scheinson

Impressionou (02)

2005-11-23T22:59:00.000Z

"B Sides & Rarities" by Nick Cave & The Bad Seeds

Após o magnífico álbum duplo editado no ano passado, “Abbatoir blues / The lyre of Orpheus”, a celebrar dignamente os 20 anos de carreira de Nick Cave com os Bad Seeds; chega agora a vez de se fazer a visitação aos temas perdidos por lados B de singles, bandas sonoras e edições limitadas destes senhores. O produto final é um conjunto de 56 temas, divididos por 3 CD’s devidamente encerrados num elegante embrulho.
Não se encontram por aqui grandes sobressaltos sonoros ou líricos em relação àquilo que estamos habituados a receber de Cave, e isso é bom... Bom, visto que: o que está em questão é uma carreira com uma qualidade indiscutível; marcada pela rebeldia, por narrações sombrias, por humor mordaz, amores torturados ou consumados, e religiosidade persistente. Tudo isso ingredientes presentes nesta edição, onde ainda se utilizam os vários andamentos musicais - devidamente reformados em prol do entendimento pessoal destes excelsos músicos – com os quais estamos familiarizados, tais como: o punk, o gótico, o country, o soul, o gospel, rhythm & blues ou até o jazz; constituindo no seu todo um manancial de antropofagia sónica. A voz de Cave, que tão bem consegue ser demoníaca, torturada, pregadora, pecadora, apaixonada, atormentada ou apaziguadora; surge a dominar exemplarmente (como não podia deixar de ser) essa amálgama sonora.
B-Sides & Rarities comprova (uma vez mais) que Nick Cave & The Bad Seeds se tratam de figuras ímpares no meio da criação musical contemporânea, e quem nem nas produções secundárias se rendem à negligência artística. (8,5/10)

Impressionou (01)

2005-11-22T20:14:00.000Z

"Axes" by Electrelane

Fãs do legado do Krautrock, com “Axes” as Electrelane injectam uma dose de vitalidade no género tornando-o novamente excitante e cativante.
A primeira música a fazer-se ouvir (um estimulante exercício de guitarras, teclado e bateria) define logo à partida a metodologia, às vezes mais, outras menos, acentuada que se usa na feitura das restantes: existe sempre uma preocupação inicial na criação de um ambiente fantasmagórico, misterioso, que meticulosamente, com a bateria a acompanhar o ritmo cardíaco do ouvinte, acaba por se expandir de modo perfeitamente natural num furacão de melodias criadas por instrumentos de uma época passada. E é justamente devido ao recurso dos diferentes instrumentos utilizados, como o acordeão, o saxofone ou o banjo, que não deixam que o método criativo se torne obsoleto. No entanto a guitarra eléctrica e os teclados predominam e nunca são postos de lado. A regra por instantes é quebrada para se praticar um devaneio experimental, aonde se cria uma espécie de discussão entre os instrumentos, como se a cada momento estivessem a decidir que rumo seguir, sem porém chegarem a algum consenso.
Outra mais valia do álbum é o facto de ter sido gravado como se fosse tocado ao vivo e aqui a mão de Steve Albini faz-se sentir, dando o toque de Midas final, tornando o som mais directo, denso e enérgico.
As Electrelane convidam-nos a deixar este planeta, a embarcar numa viagem até ao espaço. Podemos aterrar na lua ou então seguir noutras direcções, mas sempre acompanhados pela escuridão, rasgada apenas pelo cintilar do brilho das estrelas. (9/10)

Maturidade consciente

2005-11-21T22:09:00.000Z

"I am a Bird now" by Antony and the Johnsons

"Wind In The Wires" by Patrick Wolf

"Want Two" by Rufus Wainwright

Cada um dos presentes álbuns está dotado de características individuais muito próprias (pessoais e intransmissíveis), e os ambientes dos universos criados são claramente distintos entre si. Porém parecem existir várias características que os unem: letras vividas e calejadas, um grau de maturidade invejável, e uma dose de sedução capaz de satisfazer os fetiches mais requintados. Cada um deles acaricia a Pop, através da doçura das melodias, assim como outras correntes mais clássicas, através dos arranjos das composições; sendo capazes de criar cenários fantasistas com grande densidade teatral. Isso por se tratarem de músicos talentosos, possuidores de grande criatividade e com forte carácter.No entanto também todos eles acomodam a mesma fraqueza: a de deixar transparecer em determinados momentos, por vezes de modo quase imperceptível, a consciência que cada um dos músicos tem do dramatismo que deve empregar à obra, em vez de serem genuinamente dramáticos, o que acaba por infligir um pouco de artificialismo que não é de todo desejável. (8/10)

Mudanças inesperadas

2005-11-20T22:41:00.000Z

O ano de 2005 revelou algumas metamorfoses inesperadas de ícones responsáveis pelo revivalismo ou redefinição de determinados movimentos.

No caso dos White Stripes a transformação deu-se quase por completo. Não foi desta que puseram de todo de lado o rock garage de forte inpiração nos blues que os caracterizava, mas parecem querer revelar que essa pode ser uma alternativa para o futuro.
Agora explora-se sobretudo a música folk, trazendo-se para a ribalta uma série de novos instrumentos: marimbas, guitarras acústicas, banjos, uma diversidade percussões e um piano ao qual é dado o maior destaque.
Deparamo-nos com uma maior dose de melancolia nas músicas da dupla de Detroit, onde Jack White se mostra mais propenso a revelar os seus dotes de pianista e a confirmar-se como um grande escritor de canções.
“Get Behind Me Satan” revela um grupo que continua a compor música de forma inspirada e apaixonada, capaz de avançar sem receios em direcção às suas heranças musicais, transmutando-as, tornando-as actuais, reinventando assim as tradições da música americana. (8/10)

Os LCD Soundsystem estreiam-se em 2005 no formato de álbum, desta feita homónimo, após três anos de “singles” certeiros, que se tornaram autênticas referências nas culturas urbanas mais “underground”, e que serviram ainda para demonstrar (uma vez mais) a vitalidade que há meio século emerge da cidade de Nova York no que diz respeito ao universo Rock’N’Roll. É justamente a esse universo onde se vai buscar a fonte de inspiração, sem no entanto se limitar a ele, cruzando-o descaradamente e sem receios com linguagens da música electrónica.
O álbum apenas perde um pouco por deixar transparecer em certos momentos a intenção de pretender chegar a um público mais alargado do que aquele até então conquistado, e isso nem constituiria um problema se a composição não se apresentasse forçada nesse sentido. Porém trata-se no geral de um bom disco, capaz de animar entusiasticamente as pistas de dança, e de se tornar numa referência por ajudar a redefinir as linguagens do rock urbano. (7/10)

E inovação, não há?!...

2005-11-19T19:49:00.000Z

Alguns dos lançamentos mais aguardados para o ano de 2005 na área da música podem não ter surpreendido, no entanto parte deles também não desiludiram. Os grupos que se seguem distinguem-se do panorama musical actual por já terem mostrado o seu poder de criação e por continuarem a compor canções eficazes, embora presentemente não se destaquem por terem o carimbo de invenção antes do tempo. Isso porque quando uma fórmula é usada mais do que uma vez corre-se o risco de esgotar o acto criativo – amansar a sua arte – se bem que possa continuar a revelar-se convincente.

O regresso dos Goldfrapp faz-se com “Supernature”, onde uma visita aos dois registos anteriores da banda parece ser evidente. Evoca-se sobretudo o prazer carnal de “Black Cherry”, no entanto os ambientes contemplativos de “Felt Moutain” também se encontram presentes. A voz de Alison continua perturbante, única, agora mais dada à exploração de novos registos do que a devaneios vampíricos. Destaque ainda para a sedutora apresentação do disco. (7/10)

“No Wow” é o título do segundo álbum dos The Kills, que agora se apresentam mais dóceis. Elaboraram um registo menos ruidoso que o anterior “Keep In Your Mean Side”, no entanto a base da composição continua a mesma. Os ambientes continuam a apresentar-se irreverentes, quentes, íntimos e muitas das vezes contagiantes, mas uma certa sujidade e inconformidade parece ter-se ido, e que só lhes ficava bem. (7/10)

Os The Raveonettes exploram em “Pretty In Black” territórios da música folk americana e põem de lado alguma dose de cinismo que prevalecia nos álbuns anteriores, adoptando assim uma luminosidade que até à data não lhes era reconhecível. Encontramos a voz de Sune Rose Wagner mais amadurecida (prometendo que ainda se podem esperar boas surpresas dela) e uma Sharin Foo mais participativa. O registo contém um bom punhado de excitantes canções, sobretudo aquelas que são atravessadas por uma veia psicadélica, se tivessem optado por deixar algumas das restantes fora do lote (arriscando novamente a apresentar um álbum de curta duração) poderíamos estar perante outro registo superior saído das mãos do grupo. (7/10)

A proposta dos Queens Of The Stone Age para suceder o excelente “Songs For The Deaf” dá pelo nome de “Lullabies To Paralyze”. Desengane-se quem se deixa fiar pelo título, aqui o único tema parecido com uma balada é o de abertura do álbum, a partir daí tudo o resto pode paralisar, mas nem sempre deslumbrar. Continua-se a fazer música bem pensada, composta e executada. Neste registo existe uma maior dedicação à exploração de territórios cerebrais, em detrimento dos impulsos do corpo, tornando-se assim tudo mais paranóico e menos pujante. Dá-se a conhecer mais um álbum denso, equilibrado, onde se monstra uma vez mais que sem dúvida se tratam de grandes músicos, liderados por um bom vocalista, mas a quem faltou um pouco de graça na fluidez dos arranjos. (7,5/10)

Aconselha-se a audição dos álbuns anteriormente referidos, até porque se toda a música que por aí se faz tivesse a qualidade desta tanto as rádios como os canais televisivos de música não estariam tão cheios de “lixo industrial”. Porém fica o aviso: são álbuns indispensáveis para os fãs, mas podem não ter o fôlego necessário para convencer os mais cépticos ou para conquistar novo público se não se escolherem “singles” certeiros.

THE END AKA THE BEGINNING

2005-11-06T18:52:00.000Z

Video_04

2005-10-22T17:11:00.000+01:00

"No Wow" by The Kills

CLAP CLAP CLAP

2005-10-18T19:55:00.000+01:00

Recentemente Diamanda Galás regressou a Portugal para apresentar “La Serpenta Canta” na Casa da Música. Fica em seguida um extracto de uma entrevista que deu para o suplemento Y do jornal "Público".

«A sua crítica à sociedade continua omnipresente, desde o anúncio de livros sobre povos oprimidos no seu “site” oficial até às situações absurdas do mundo”. Entre elas, destaca “as infiéis” do Irão, os gays “a apanharem electro-choques” nas manifestações e “a ridícula” Hollywood. “Os filmes sobre negros não têm negros, mas o Brad Pitt; o Spielberg faz ‘A lista de Schindler’ não para falar do árduo Holocausto, mas para se promover”, atira.
Também o presidente dos EUA da recebe a sua dose. “O meu país está cheio de gente estúpida, avarenta e fundamentalista. As pessoas perceberam com Nova Orleães que George W. Bush é manipulador e racista. Foi um prolongamento do Iraque. Agora é tarde, com desgosto teremos de o aguentar mais dois anos e, aí, a mudança será total”, sublinha. Um arremesso final para o Governo turco e os seus fundamentalistas, que lhe enviam “imensa correspondência”. “Por alguma razão, a EU não os integrou ainda.”
O seu diálogo insubmisso e radical (na forma e no conteúdo) revela uma mulher forte de convicções, apostada em abanar a angústia existencial e os pecados humanos. O estilo ofensivo e politicamente incorrecto, a par de assuntos perturbantes – sida, homossexualidade, dogmatismo religioso, genocídio turco – colocam-na imediatamente fora do “mainstream”. Ela mostra saber isso a cada instante, o que lhe parece dar novo ânimo.
Inspiradora de bandas como Cradle of Filth, é entusiasta de Portishead, Björk, (“Apesar de preguiçosa, pois só mantém um tom e deixa-me louca”), Amália Rodrigues (“Mas que génio de fado!”), Cliff Richard e, quem diria, Whitney Houston (“Embora eu nunca cante ‘I will always love you’”). Diz-se avessa a Madonna, pedindo-lhe “que fique só na ‘dance’, pois é imperialista e canta indiano sem saber o que faz”. Repudia ainda o elitismo de David Bowie ou Mick Jagger, considerados “lixo corporativo de grandes companhias”.
O rosto pálido, magro e longo vinca a natureza intrigante e distante da intérprete, já apelidada de diva vampírica, noiva de Satã, profetisa apocalíptica ou reencarnação negra de Maria Callas.
De origem grega e ortodoxa, Galás abandonou os estudos de bioquímica para fazer música experimental e se dedicar ao piano. Deu o primeiro concerto em 1979, no "Festival d’Avignon", em França, com a ópera de Globokar, “Um jour comme un atre”, sobre um documento da Amnistia Internacional relativo à prisão e tortura de uma turca.
Culturalmente provocante e activista de grupos de combate à sida, tatuou na mão esquerda “We Are All HIV+” (Somos Todos Seropositivos) quando o irmão faleceu vítima da doença, em 1986. Três anos depois, na “manif” do grupo Act Up, em Nova Iorque, foi presa por “distúrbio da ordem pública”. Em 1989, o Governo italiano acusou-a de blasfémia contra a Igreja Católica Romana, pela actuação no "Festival delle Colline", na Toscana, no qual repetia o verso dos primeiros discos “o Diabo mora na América” e revelava o recente álbum “The Divine Punishment”, que usava ironicamente textos bíblicos para apelidar a sida de “punição dívina”.
Em Abril de 1992, a revista “Vanity Fair” publicou uma foto de Galás, feita por Annie Leibowitz, onde posa nua, pendurada numa cruz em chamas. Por ter ascendência helénica, alegava ser aquela a única resposta aos deuses injustos que governam os mortais. Quatro anos depois foi demitida das filmagens de “City Hall” por Harold Becker, recusando cobrir a tatuagem da mão com anéis. “Isto é muito religioso, vivo e morro com a tatuagem e todas as consequências associadas. Não sou republicana hoje e terrorista amanhã”, esgrimiu na altura.»

in suplemento Y do jornal Público de 16 Setembro 2005.

Despedidas

2005-07-31T22:57:00.000+01:00

"The sky on the twilight of Philippine's suicide" by Nan Goldin.

A partir de hoje o “Blue Red and Dark” tem um futuro incerto. Eu, para além de estar de malas e bagagens feitas para ir de férias, pouco tempo depois de voltar terei como destino Leeds, em Inglaterra, onde irei tirar um curso de cinema. Assim, não posso garantir, pelo menos para já, que terei a mesma disponibilidade e os recursos para continuar a manter este blog. No entanto, mais tarde ou mais cedo, penso voltar a utilizar este espaço que tanto me é querido. A todos aqueles que por aqui passaram deixo desde já o meu reconhecimento e os devidos agradecimentos. Espero reencontrar-vos em breve. Até lá :)

Bj**

Video_03

2005-07-26T12:03:00.000+01:00

"Twist" by Goldfrapp

Note: double-click on screen shows the video in full-screen mode.

Arte que alcançou o 7º lugar

2005-07-26T00:01:00.000+01:00

“La Pianiste” by Michael Haneke

Michael Haneke é perito em realizar filmes onde se exploram condições limite da dimensão humana. Em “La Pianiste” recorre-se à união da abjecção com o grandíloquo para expor, de modo perturbante, algumas vivências extremas que o ser humano é capaz de experimentar. Mas não só; também se anda em redor do ganhar a consciência, e o desejo, para que essas vivências se desenvolvam, revelando assim o que de oculto se pode encontrar numa personalidade. São esses os pressupostos que o realizador aborda, com notável precisão, e com os quais se debruça sobre as duas personagens centrais do filme.
Erika Kohut (Isabelle Huppert) é professora de piano no Conservatório de Viena. Aos 40 anos ainda vive com a sua opressiva mãe (Annie Girardot), que a vigia constantemente, e de quem apenas consegue escapar em incursões regulares que faz a salas de cinema pornográfico e “peepshows”. A sua sexualidade só é vivida através de actos de “voyeurismo” e de auto-mutilação. No entanto esse mundo está prestes a ser abalado por Walter Klemmer (Benoît Magimel), um jovem que decide seduzi-la. A relação por eles desenvolvida revela-se um autêntico exercício de sanidade, onde encontramos uma mulher que não quer perder o controlo, mas que já o perdeu há muito tempo; e um homem que está prestes a perde-lo.
Esta desarmante viagem é eximiamente conduzida por Huppert e Magimel, que com grande dedicação se entregam às suas personagens. De salientar ainda o empenho do realizador na banda sonora, não só pela qualidade excepcional que tem - ouvem-se por aqui grandes compositores, tais como Schubert e Bach - mas também pela forma apaixonada de a apresentar.
E assim Michael Haneke levanta mais uma vez questões sobre o que é representável ou não, assim como sobre a utilidade que se pode dar ao cinema... Entretanto vai dando as respostas. (8,5/10)

Pooch Café

2005-07-25T23:38:00.000+01:00

by Paul Gilligan